한국국제교류재단

작가의 이름을 내건 미술관들은 보통 지자체나 문화 재단이 작가를 기념하기 위해 건립한다. 한국 미술사에 뚜렷한 발자취를 남긴 작가들을 기념하는 미술관들은 그들이 일생 동안 추구했던 예술적 성취를 간직하며 작가의 이름을 완성한다.

미술관에 사람의 이름을 붙이는 경우는 크게 두 가지다. 하나는 구겐하임미술관(The Solomon R. Guggenheim Museum)이나 휘트니미술관(Whitney Museum of American Art)처럼 수집가였던 후원자의 이름을 딴 곳들이다. 이런 미술관들은 후원자의 수집 철학과 수집품들의 미술사적 경향을 볼 수 있다는 점에서 흥미롭다. 또 하나는 반고흐미술관(Van Gogh Museum), 피카소미술관(Musée Picasso), 마티스미술관(Musée Matisse)처럼 작가의 이름을 붙인 곳들인데 특정 예술가를 다각적 측면에서 이해할 수 있어 매력적이다.

우리나라에도 지난 10년 동안 작가 이름을 내건 미술관들이 부쩍 많아졌다. 작가가 태어나 살았던 고향이나 인연을 맺었던 지역에 주로 세워진다. 종로구립 박노수미술관(Jongno Pak No-soo Art Museum)이나 성북구립 최만린미술관(Choi Man Lin Museum)은 작가가 평생 살아온 집을 공공 미술관으로 개장해 명소가 된 경우다. 한국화를 전공한 박노수(朴魯壽 1927~2013)는 청아하고 선적(禪的)인 분위기의 화풍을 보여 준 화가이며, 최만린(崔滿麟 1935~2020년)은 한국 추상 조각을 개척한 1세대 조각가이다.

이 외에도 미술계에서 상대적으로 소외된 조각가들을 후원하는 서울 평창동의 김종영미술관(Kim Chong Yung Museum)이나 서울 효창동의 김세중미술관(Kimsechoong Museum)은 고풍스러운 분위기가 일품이다. 김종영(金鍾瑛 1915~1982)은 한국 추상 조각의 선구자로 자연과 인간에 대한 통찰을 바탕으로 생명력이 느껴지는 순수한 조형 예술을 추구했다. 김세중(金世中 1928~1986)은 주로 종교적 주제에 몰입했다. 이런 미술관들은 대개 작가의 삶과 예술 세계를 기리는 다양한 기획 전시와 교육 프로그램을 마련하고 있어, 관람객들이 해당 작가를 보다 심층적으로 이해할 수 있는 기회를 제공한다.

환기미술관, 두 사람의 한마음
김환기(Kim Whanki 金煥基 1913~1974)는 단연 한국 최고의 화가다. 2019년 11월, 그의 대표작 중 하나인 < 우주(Universe 05-IV-71 #200) > (1971)가 크리스티 홍콩 경매에서 한국 작가들 중 최고가인 8,800만 홍콩달러(약 132억 원)에 낙찰된 기록을 세웠기 때문만은 아니다. 일찍이 일본 유학을 통해 서양화 기법을 익힌 그는 달·산·바다·백자·학·매화 등을 소재로 한국적 정서를 세련되게 표현하는 데 성공했다.

작가로서 전도가 양양했지만, 김환기는 유명세와 안정된 생활을 뒤로하고 1963년 뉴욕으로 건너갔다. 그곳에서 미국 추상표현주의를 접한 그는 은근한 서정성을 품은 가장 한국적인 추상미술의 완성을 이뤄 냈다. 과거의 자신을 버리고 자기를 이긴 화가임을 증명한 것이다. 이것이 그가 추앙받는 이유다. 수천 개의 점을 반복적으로 찍어 완성한 전면점화(全面點畵)는 번지고 겹친 수많은 점들 중에서 어느 것 하나 같은 게 없다. 그리운 사람들의 눈동자처럼 그윽하다.

서울 부암동에 자리한 환기미술관은 언덕배기 동네의 골목길을 구불구불 돌아 닿는 곳이다. 뒤로는 북악산이 펼쳐져 있어 미술관 자체가 한 폭의 그림 같다. 1974년 김환기 타계 이후, 부인 김향안(金鄕岸 1916~2004)의 노력과 작품 기증으로 1992년 개관했다. 수십 억 원대 고가의 전면점화를 가장 많이 소장한 곳이 환기미술관이다.

김향안의 본명은 변동림(卞東琳)으로, 그녀는 한국 모더니즘 문학을 개척한 시인이자 소설가 이상(李箱 1910~1937)과 결혼한 신여성이었다. 그러나 이상이 젊은 나이에 폐병으로 요절하는 바람에 결혼 후 불과 몇 개월 만에 사별하고 말았다. 7년 뒤 아는 이의 소개로 만난 김환기는 키만 싱겁게 큰 데다가 아이가 셋 딸린 홀아비였다. “성(性)을 갈아도 안 된다”며 결혼을 반대하는 가족들을 뒤로하고 변동림은 김환기의 아호(我號)인 ‘향안’을 자신의 이름으로 삼았다. 그녀는 예술적 전환이 필요했던 남편에게 파리행을 제안했고, 1년 먼저 프랑스로 가 작업실을 마련하고서야 남편을 불러들였다. 뉴욕에서 남편을 여읜 후에는 환기재단을 만들었고, 도심에서 가까우면서도 자연을 곁에 둔 부암동에 미술관을 열었다. 평생 남편의 이름을 위해 살겠다는 약속대로 그 이름을 지키며 여생을 보냈다.

환기미술관 본관은 나란히 붙은 반원형의 배럴볼트(barrel vault) 지붕이 특징이다. 두 사람이 꼭 붙어 선 모습 같다. 1974년 작 < 듀엣(Duet 22-Ⅳ-74#331) > 을 비롯한 김환기의 말년작에는 함께 선 두 사람을 점과 선으로 추상화한 형상이 등장한다. 미술관 안뜰의 키 큰 소나무 두 그루마저도 이 부부를 닮았다.

 

양주시립 장욱진미술관, 가족을 그리는 마음
자연과 가족을 순진무구하게 그렸던 화가 장욱진(Chang Ucchin 張旭鎭 1917~1990)은 1963년 경기도 양주군에 있는 덕소라는 동네에 아틀리에를 마련했다. 이곳은 가족이 있는 서울과 그리 멀지 않으면서도 자연 풍광을 만끽할 수 있는 장소였다. 그는 덕소에 머물렀던 12년 동안 첫 번째 개인전을 열고 그룹전에 참여하는 등 활발히 활동했다. 그에게는 실험과 도전이 이어졌던 시기였다.

그 인연으로 양주시는 2014년 양주시립 장욱진미술관을 개관했다. 유족이 기증한 작품 260점이 미술관의 기틀을 마련했다. 덕소 작업실을 철거할 때 떼어 낸 벽화 <식탁>(1963)과 <동물가족>(1964)은 전시실에서 언제든 만날 수 있는 영구 소장품이 됐다. 하얗고 단아한 미술관은 “나는 심플하다”를 외치며 단순함을 강조했던 장욱진의 작품들과 꼭 닮았다. 이곳을 설계한 최-페레이라 건축(Chae Pereira Architects)의 최성희(Songhee Chae)와 로랑 페레이라(Laurent Pereira) 건축가는 화가의 1984년 작 < 호작도(虎鵲圖) > 를 모티프로 삼았다.

장욱진은 작은 크기의 그림을 즐겨 그렸다. 유족이 기증한 미술관 대표 소장품 < 가족도(A Family Portrait) > (1972)는 어른 손바닥만 한 그림이다. 콧수염 난 화가 아빠와 흰옷 입은 엄마, 양손을 가지런히 모은 두 아이로 꽉 차 버린 작은 집이 화면을 가득 채운다. 함께 노을을 바라보는지 집 주변이 온통 붉다. 집 양옆에 서 있는 나무 두 그루는 가족을 지켜 주는 수호목처럼 느껴진다.

미술관 앞으로 맑은 계곡이 흐른다. 더운 계절에는 물놀이를 겸해 가족 단위로 방문하는 관람객들이 많고, 봄과 가을에는 꽃놀이와 단풍 구경을 할 겸 찾아온다. 번잡한 도시를 싫어했던 장욱진은 계절마다 다른 풍경 속에 안겨 있는 이 미술관을 분명 마음에 들어 했을 것이다. 초현실적인 대담한 구도, 자연과 동물과 인간이 평화롭게 공존하는 그의 작품 세계를 잘 느낄 수 있는 미술관이다.

 

제주도립 김창열미술관, 근원을 향한 시작
‘물방울의 화가’로 유명한 김창열(Kim Tschang-yeul 金昌烈 1929~2021)의 최초 물방울 작품을 볼 수 있는 곳은 제주 한림읍에 있는 제주도립 김창열미술관이다. 그는 지금은 북한 땅인 평안남도 맹산에서 1929년에 태어났다. 어려서는 할아버지로부터 천자문을 배울 정도로 영특했고 그림도 잘 그렸다고 한다. 반공주의자로 낙인찍힌 17세의 김창열은 홀로 걸어서 38선을 넘었다고 한다. 서울의 피난민 수용소에서 6개월을 지내고야 기적적으로 아버지와 상봉했다. 죽을 고비를 넘긴 아들에게 아버지는 그간 반대하던 그림을 허락했고, 아들은 서울대학교 미술대학에 입학했다. 그는 한국전쟁이 터진 후 군대 대신 경찰을 택했고, 경찰전문학교를 마친 뒤 1년 반 정도 제주에서 근무했다. 그의 미술관이 제주에 들어서게 된 인연이다.

김창열의 1960년대 작품들은 어둡고 찐득하다. 전후 실존주의를 형태 없는 격정만으로 담은 엥포르멜로 분류된다. 가슴 속 응어리 같던 물감 덩어리가 점차 끈적이는 액체처럼 변화해 구멍에서 스며 나오는 형식으로 변화했다. 전쟁의 상처로 인해 소리 없이 흐느끼는 피눈물 같았다. 해외 전시에 연이어 초청받던 그는 뉴욕을 거쳐 1969년 파리로 거처를 옮겨 정착했다. 가난한 시절이었다. 마구간을 작업실로 쓰며, 재료가 부족해 캔버스 뒷면을 물에 적셔 물감을 떼 낸 후 재활용했다. 어느 날 아침, 캔버스 표면에 매달려 찬란하게 반짝이는 물방울에 눈이 번쩍 뜨였다.

마포(麻布) 위에 그려진 물방울들은 그림을 흔들면 후두둑 쏟아져 내릴 듯 진짜 같다. 실제로는 흰색과 노란색, 그리지 않은 부분과 짙은 그림자의 조화가 만든 착시 현상이다. 탱탱한 장력과 흐르는 중력의 긴장감 사이에 존재하는 영롱한 물방울은 풍만한 빈 공간 같은 역설적 존재다. 쉽지만 결코 단순하지 않은 그림은 그가 대중성과 예술성을 모두 거머쥔 이유다.

미술관 건물은 큰 네모 안에 작은 네모가 들어 있는 한자 ‘회(回)’를 형상화했다. 작가는 60세가 되던 해부터 천자문 위에 물방울을 그리는 < 회귀(Recurrence) > 연작을 시작했다. 붓을 쥔 첫 순간, 자신의 근원으로 되돌아간다는 의미였다. 2016년 9월 미술관 개관 때 김창열은 “나는 맹산에서 태어나 용케 호랑이한테 잡아먹히지 않고 여기 제주까지 당도했다. 상어한테 잡아먹히지만 않으면 제주에서 여생을 마무리하는 게 소망”이라고 말했다. 그가 세상을 떠난 후 유언대로 미술관 옆 나무에 수목장했고, 돌아가지 못하는 북녘의 고향 대신 새롭게 찾은 제2의 고향에서 영면에 들었다. 화가는 미술관과 함께 영원히 산다.