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Arenque, un regalo del mar invernal

Essential Ingredients 2021 WINTER 110

Arenque, un regalo del mar invernal Arenque, un regalo del mar invernal Durante mucho tiempo el arenque ha sido un ingrediente básico en todo el mundo. En Corea, la forma más común de comerlo es gwamegi , arenque desecado y curado al aire con algas kelp frescas, hojas de algas secas (kim ), ajo en rodajas y otras verduras. Pero la gastronomía coreana tiene otras formas de preparar el arenque, manjar de invierno por la textura y el abundante sabor de sus ricos componentes grasos. El arenque es conocido en todo el mundo. Estos delgados peces de espalda azul y color blanco plateado desde el centro hasta el vientre, viven en cardúmenes de zonas costeras frías, con temperaturas de entre 2ºC y 10ºC y a menos de 150 metros de profundidad. Las capturas de arenque en aguas coreanas son muy irregulares, pero este invierno son buenas. “Abadejo par a cantidad, arenque par a calidad” es un dicho popular entre los coreanos desde tiempos antiguos. Indica que de los tres pescados más frecuentes en la mesa coreana, bacalao, abadejo y arenque, los coreanos consideran este último como el más delicioso. El nombre coreano del arenque es cheongeo , que literalmente significa “pescado azul”, aunque en cada zona tiene diferentes especies, que se agrupan en grandes cardúmenes. Por ejemplo, el arenque del Atlántico Norte (Clupea harengus) es el que más se consume en Europa septentrional, mientras que el arenque del Pacífico (Clupea pallasii) se captura en las costas del Nordeste Asiático y América del Norte. El pescado blanco como el bacalao o el abadejo es bajo en grasa, pero el arenque contiene un 20% del valor diario de grasas necesarias. Como pez de agua fría, desova de invierno a primavera y engorda a finales del otoño. Es rico en aminoácidos libres, como glicina y alanina, que dotan a su carne de un sabor dulce. El atlas de peces más antiguo de Corea, ‘Uhae Ieobo (Registro de peces raros en el mar de Jinhae)’, escrito en 1803 por Kim Ryeo (1766-1821), describe el sabor del arenque como “dulce y suave, y delicioso asado a la parrilla”. El cocinero y escritor Park Chan-il también alude igual al sabor del arenque en su libro ‘La mitad de los recuerdos son sabor’ de 2012, donde describe nítidamente el arenque a la parrilla que comió con un amigo en la playa de Sokcho, en la costa este de Corea: “Ese día con fuerte viento invernal, el arenque a la brasa me supo dulce y suave”. RECETAS El arenque se prepara de diversas formas. En la costa este, su zona más prolífica en Corea, se come crudo o mezclado con salsa picante a base de gochujang(pasta de ají) y verduras. A veces su carne cocida en agua hirviendo se pulveriza, se pasa por un tamiz y se mezcla con arroz para preparar una especie de papilla, o bien se fríe con harina y huevo en rodajas que luego se añaden a una sopa con doenjang (pasta de soja fermentada), como un estofado. En la región costera al sureste de Corea, en la provincia de Gyeongsang, también es popular la sopa de arenque, y varios documentos históricos describen cómo en Jeolla, al suroeste, cocinaban abundantes cantidades de arenque al vapor en una cazuela grande, para luego comerlos con gochujang.Sin embargo, la opinión general es que el arenque sabe mejor a la parrilla. Con sal gruesa y asado hasta que se dore, su carne queda suave, dulce y sabrosa. El cocinero Park Chan-il explica: “Los arenques contienen ricos componentes grasos y al ponerlos a la parrilla se cocinan en su propio aceite, y quedan increíblemente deliciosos”. Los peces de agua salada contienen óxido de trimetilamina (TMAO), un compuesto de nitrógeno no protéico que ayuda a mantener el equilibrio entre la salinidad del mar y los niveles de sal de su organismo. Cuando los microorganismos lo descomponen empieza a percibirse ese típico mal olor a pescado. El arenque, cuyos aceites aumentan en invierno, contiene gran cantidad de ácidos grasos polihídricos, y por eso se enrancia con facilidad. Por eso también su olor es más potente, pero disminuye al añadir doenjang (pasta de soja fermentada) a la cocción, o en caso de tomarlo asado, untándola sobre la superficie del pescado antes de cocinarlo, pues las sustancias olorosas y las proteínas de dicha pasta, evitan la volatilización de los componentes causa del mal olor. Pero desde la década de 1990 esa diversidad de recetas se perdió. De hecho, el 27 de enero de 1996 el diario Dong-A Ilbo publicó un reportaje que decía: “estos días es difícil ver platos autóctonos de la región de Gyeonggi como estofado de arenque, arenque en salsa de soja, salmuera de arenque o gachas de arenque”.Entre otras cosas, las recetas de arenque disminuyeron pues los cambios en los movimientos migratorios de esos peces dificultaron una pesca estable. Al nadar en grandes cardúmenes siguiendo el f lujo de las corrientes frías, algunas épocas el arenque era la especie más capturada, mientras que otras apenas había durante toda una década.El libro ‘Jingbirock (Una crónica de penitencia y advertencia’, de Ryu Seong-ryong (1542-1607) sobre las invasiones japonesas de fines del siglo XVI, recoge un misterioso suceso justo previo a la batalla: “peces normalmente hallados en el Mar del Este fueron capturados en el Mar del Oeste y luego llegaron hasta el río Han, mientras que los arenques, que se pescaban en Haeju (actualmente territorio norcoreano), desaparecieron de esa zona para reaparecer en el mar frente a Liadong (China), siendo referidos por la gente de allí como xinyu o ‘pez nuevo’”. El libro enciclopédico ‘Jibong Yuseol (Discursos tópicos de Jibong)’, escrito en 1614 por Yi Sugwang (1563-1629), confirma esa premisa al explicar que los arenques, que siempre abundaban en primavera en la cota suroccidental, solo pudieron capturarse durante cuarenta años. Pero en ‘Nanjung Ilgi(Diario de guerra)’ el almirante Yi Sun-sin (1545-1598) confirma que pescaban arenques, que intercambiaban por provisiones y alimentos para sus soldados. Más tarde, el pensador partidario del movimiento Silhak Yi Ik (1681-1764) cita a Ryu Seongryong en ‘Seongho Saseol(Miscelánea de explicaciones sobre Seongho)’, para hablar de la situación posterior. Alegó que cuando Ryu escribió ‘Jingbirock ’ solo era posible hallar arenques en las costas de Haeju, provincia de Hwanghae, mientras que en sus tiempos podían capturarse en todos los mares de Joseon. Detalla que pescaban arenques “en la provincia de Hamgyong cada otoño” y que “en primavera esos peces migraban a Jeolla y a Chungcheong, más al sur, mientras que entre primavera y verano moraban las costas de Hwanghae, aunque en su tránsito al oeste, se volvían comunes y su tamaño mermaba, y no había quien no tuviera arenques sobre la mesa”. El arenque desecado con fría brisa marina o gwamegi es un manjar de invierno de textura masticable, sabroso y aceitoso. En trozos pequeños, el arenque seco se come envuelto en algas normales o secas con rodajas de ajo, chile y tallos de ajo. © Getty Images Korea En Yeongdeok, Gyeongsang del Norte, y otras aldeas costeras del Mar del Este, el invierno es temporada de secar arenques. Una vez descabezado, se congela y descongela repetidamente con la brisa fría del mar hasta obtener un sabroso gwamegi , sin fuerte olor a pescado. © Jeon Jae-ho DESECACIÓN Yi Ik supuso que la inestabilidad cuanto a volumen y zonas de captura se debía a que los arenques migraban en función de la temperatura y del entorno marino. Esta hipótesis fue planteada hace dos siglos y medio pero acertó, pues un análisis sobre producción de arenques en los mares alrededor de la península coreana entre 1970 y 2019 del Instituto Nacional de Ciencias Pesqueras afirma que las capturas aumentaron en el Mar del Este a medida que subió la temperatura del agua, mientras que las del Mar del Oeste disminuían al calentarse el agua. Según ese estudio, la pesca del arenque ha sido muy inestable durante los últimos 50 años, pues las 5.000 toneladas que solían darse hasta inicios de los años setenta, apenas quedaron en 1.000 a mitad de esa misma década. Posteriormente, aumentó hasta un máximo de 20.000 toneladas en 1999, aunque tres años después, en 2002, cayó en picado hasta las 2.000 toneladas. Pero a mediados de la década de 2000, las capturas aumentaron nuevamente y en 2008 se logró una producción de 45.000 toneladas de arenques. Esta abundancia prevaleció en 2009 y el 20 de diciembre de ese año, la emisora pública KBS emitió un reportaje sobre el retorno de los arenques, confirmando que el arenque, un pez de agua fría, no solo se capturaba en la costa este, sino también en las aguas cálidas al sureste y al sur de Corea, llevando a reanudar la producción de gwamegi en Yeongdeok, provincia de Gyeongsang del Norte. Aunque originalmente el término gwamegi se refiere al arenque desecado, al disminuir las capturas de dicha especie desde la década de 1960, empezó a usarse también la paparda (kkongchi en coreano) en las zonas costeras de la provincia de Gyeongsang del Norte. En una columna para el diario Dong-A Ilbo, edición del 9 de mayo de 1939, el ictiólogo Jeong Mun-gi (1898-1995) escribió al respecto: “en la provincia de Gyeongsang del Norte, una región prolífica en arenques, llaman gwamigi a los arenques desecados, que son un producto local muy importante”. En la actualidad, gwamegi se toma generalmente acompañado de verduras como repollo o algas marinas. Sin embargo, en el pasado era más común comerlo asado a la parrilla o en sopa preparada con ajenjo. Se ignora dónde surgió la palabra gwamegi , pero el libro ‘Jeoneo Ji (Libro sobre caza y pesca)’ escrito por Seo Yu-gu (1764-1845), partidario del Silhak en las postrimerías de los tiempos de Joseon, da alguna pista al explicar cómo ataban los arenques enteros con una cuerda de paja y los colgaban al sol para curarlos, hasta que se secaran. En su libro Seo explica que los arenques tienen ojos transparentes, y eso permite pasar una cuerda de paja para atarlos, y destaca que se usa el término gwanmok, que significa “ojos penetrantes”, para referirse a ese alimento. Y hay quienes sostienen que el nombre de gwamegi deriva de esa palabra. Aunque curar arenques enteros no es el método más común, se mantiene hasta el día de hoy. Por lo general, para desecar los peces se cortan por la mitad y se despojan de entrañas y espinas, antes de exponerlos a la brisa del mar. Pero curar arenques precisa más tiempo que desecar papardas, pues son más grandes y grasos. Por ejemplo, si secar una paparda precisa medio mes, curar un arenque requiere de un mes entero. En cambio, a mayor tiempo de desecación, más sabroso será el resultado. Además, los arenques curados enteros en pleno invierno también conservan sus huevas, convirtiéndolos en un manjar sin parangón. A la parrilla, el arenque aceitoso es suave y se derrite en la boca, y su sabor se amplifica. Pero tiene muchas espinas y por tanto es difícil de comer. Basta descamar el arenque limpio, darle unos cortes y añadir sal. Luego el pescado se asa hasta que la carne quede amarillenta y con sabor dulce y salado. © Shutterstock EL RETORNO DE LOS ARENQUES ¡El arenque ha vuelto! La captura es abundante este año y ante el aumento de la producción, en la localidad de Samcheok, provincia de Gangwon, las autoridades locales promueven nuevas y más variadas recetas para fomentar el consumo de ese pescado. Respecto a la buena captura, el Instituto Nacional de Ciencias Pesqueras explica que se observa desde la década del 2000, y principalmente obedece a la subida de la temperatura de las aguas del Mar del Este. No obstante, los investigadores advierten de las consecuencias de la pesca indiscriminada, en base a antecedentes como la drástica caída de producción que tuvo lugar en el Atlántico Norte, e instando a prohibir la captura de arenques jóvenes. Todavía se sabe poco sobre cómo migran los arenques. Por ahora los motivos se desconocen, pero invita a guardar prudencia en la captura del arenque, y también a presentar mayor humildad ante la naturaleza. Jeong Jae-hoon Farmacólogo, escritor culinario Park So-jung Ilustradora

Flores que nunca marchitan

Guardian of Heritage 2021 WINTER 119

Flores que nunca marchitan Flores que nunca marchitan La típica manualidad artesana de hacer flores de papel con hanji teñidas de forma natural apenas se conserva. Como requieren mucho tiempo y dinero, en gran medida las flores de papel han sido reemplazadas por flores naturales.El Venerable Seokyong comenzó en este casi desaparecido arte en los ‘80, y se ha propuesto recrear todas las flores de papel que alguna vez adornaron las ceremonias budistas. Cogollos de loto hechos con hanji, papel de morera tradicional, teñido con artemisa y texturizado con pequeños pliegues. Para hacer flores de papel tradicionales, el papel se colorea con tintes naturales, se humedece y se texturiza con técnicas de plisado, plegado, enrollado y tracción. Lo más difícil es el plisado, que imprime pequeños pliegues al papel presionando con un cuchillo afilado. Las flores de papel, O Jihwa, se usaban mucho en el pasado como decoración en ritos budistas y chamánicos, y también en ceremonias reales. Asimismo, nunca faltaban en ritos de casas plebeyas como bodas y funerales. Hoy día, las f lores de papel han sido reemplazadas en gran parte por f lores frescas, que se cultivan durante todo el año en invernaderos, pero aún engalanan las grandes ceremonias de los templos budistas. Las f lores son un símbolo muy importante en el budismo. En un famoso episodio, el Buda Sakyamuni levantó una f lor de loto y Mahakasyapa respondió con una sonrisa, mostrando comprender la sabiduría que Buda quería transmitir. En muchas escrituras budistas las f lores representan el despertar, y en el contexto budista la palabra coreana jangeom (alamkaraka en sánscrito), que significa “adorno” o “gloria”, alude a decorar un templo con f lores para adorar a Buda. Después de todo, el oficio de hacer f lores de papel comenzó en los templos budistas, pues cortar f lores era considerado como quitar una vida. Un monje budista lleva 40 años haciendo esta “magnífica y solemne” tarea como forma de práctica espiritual.Desde su primera exposición en 2008, el Venerable Seokyong se ha esforzado por dar a conocer al público en general esta artesanía tradicional. Sus habilidades y esfuerzos fueron oficialmente reconocidos cuando el arte de hacer f lores de papel fue designado como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Provincia de Gyeonggi en 2017. TEÑIDO NATURAL Cualquiera que vea las f lores de papel del Venerable Seokyong por primera vez, exclamará por sus exquisitos colores y su ornamentada artesanía. Es arduo para las manos humanas crear tanta belleza, pues dicha tarea requiere de una perseverancia inquebrantable. Comenzando por la preparación de materiales, cada f lor requiere un laborioso proceso que suele demorar un año, por lo que el monje lo considera una práctica espiritual. El procedimiento incluye teñir el papel de morera tradicional con tintes naturales, doblarlo en pequeños pliegues para formar los pétalos, crear las f lores con los pétalos y unirles un tallo de tiras de bambú. El Venerable Seokyong hace una peonía con papel plisado. Reconocido por su habilidad y contribución a restaurar la artesanía tradicional durante cuatro décadas, fue incluido en el Patrimonio Cultural Inmaterial de la provincia de Gyeonggi en 2017. Solo el pegamento tarda más de seis meses en fabricarse. El trigo integral o el arroz glutinoso se dejan fermentar en agua. La espuma que surge en la superficie se desnata continuamente y el agua se cambia una y otra vez de entre tres a seis meses, hasta eliminar todas las sustancias del grano y dejar solo el almidón. Luego todo el proceso se repite de nuevo para obtener un pegamento que evita que las polillas se coman el papel. Yeongsanjae, o Ritual del Pico del Buitre, fue inscrito en la Lista del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad de la UNESCO en 2009, y generalmente se lleva a cabo de tres a cinco días. El Venerable Seokyong comienza a hacer f lores para este evento con un año y medio de antelación. “Al ver cómo las f lores de papel se queman tras cada rito, me digo: ‘Se acabó, lo dejo’. Pero antes de darme cuenta, ya estoy preparando el rito siguiente”, explica. Teñir el papel es el primer paso. El monje utiliza plantas recolectadas y secadas durante el año anterior. El azul se obtiene del índigo, el rojo de madera de sappan, el amarillo de las gardenias, el verde de la artemisa y el violeta de las uvas silvestres y del gromwell de raíz roja. En tanto, el amarillo pálido se extrae de las cebollas y el rojo brillante del cártamo. Los tintes índigo y cártamo son los más difíciles de lograr.El arte de teñir el índigo, que precisa un complejo procedimiento de fermentación, hasta fue designado como Patrimonio Cultural Inmaterial Importante de Corea. Al margen del proceso, los colores se adquieren sumergiendo repetidamente el papel en el tinte y secándolo. “Normalmente teñimos el papel en primavera. Puede hacerse cuando haga falta, pero cuando seca perfectamente es en marzo y abril”, explica el monje. HUMEDECER Y PLISAR La parte crítica del proceso es controlar el nivel de humedad del pael antes de doblarlo en pétalos de f lores. Si está demasiado seco, los pequeños pliegues de los pétalos se deshacen fácilmente, y si está demasiado húmedo el papel es difícil de doblar. El procedimiento que el Venerable Seokyong llama “alimentar la humedad” puede parecer simple, pero requiere de gran sensibilidad en las manos cultivada con muchos años de experiencia. Para tratar el papel, se empapa una toalla en agua, luego se escurre y se extiende y se coloca un trozo de hanji encima. Así, toallas y hojas de papel se van alternando en una pila que se envuelve en plástico y se almacena en una habitación cálida durante un par de horas. Luego, se palpa el papel para ver si está listo para el plisado. Las f lores hechas con hanji tan cuidadosamente hu- medecidas pueden durar décadas sin perder la forma. “No puedes doblar flores si llueve. Si tuvieras que hacerlo, debes encender la calefacción para reducir la humedad. Y en verano, usar un ventilador eléctrico puede secar demasiado el papel, pues el hanji es extremadamente sensible a la humedad. Su estado ideal es algo rígido”, detalla el Venerable Seokyong. Las f lores que elabora con mayor frecuencia se usan para decorar el altar budista: peonías arbóreas, peonías herbáceas, crisantemos y f lores de loto. En términos seculares, las peonías simbolizan riqueza y prosperidad, pero en el contexto sagrado son símbolo de la mente búdica, del corazón misericordioso y la compasión. Por eso decoran la parte superior del altar con peonías, la parte media con crisantemos y las míticas f lores de loto blanco (pundarikaen sánscrito; darihwa en coreano), y la inferior con f lores de loto. El primer paso para hacer los péta- los es crear finas arrugas en el papel teñido plisándolo, doblando, enrollándolo y tirando de él. La técnica más difícil es el plisado, que consiste en presionar el papel delgado con un cuchillo afilado. Esta tarea requiere concentración total: con demasiada presión, el cuchillo corta el papel. “Una vez, un visitante me preguntó dónde vendían el papel finamente plisado”, recuerda el monje. “Pero si recurriera a una solución fácil como usar papel prefabricado, sería imposible que las f lores parecieran reales entre la naturaleza. Tras largas horas doblando papel siento dolor en cada articulación de mis dedos, pero repito todos y cada uno de los pasos como una práctica espiritual”. Hacer flores de papel requiere varios tipos de cuchillos, punzones y martillos. Los tallos de bambú o tiras de trébol se hacen con martillos y cuchillos en forma de pez, y los pétalos de crisantemo se fijan con un punzón. RECUPERAR LA TRADICIÓN Se dice que si se conservan adecuadamente estas f lores de papel duran más de mil años, pero hoy quedan pocas. Como suelen quemarse después de cada ceremonia, no hay forma de recuperar la historia de esta manualidad artesana.Tampoco se describe su procedimiento en la literatura histórica. En la década de 1980, el Venerable Seokyong aprendió a hacer algunos tipos de f lores de papel con métodos tradicionales apenas transmitidos en un templo. Su maestro fue el Venerable Chungwang, quien sirvió en el Templo Guin, sede de la Orden Cheontae del Budismo Coreano, ubicado en Danyang, provincia de Chungcheong del Norte. Posteriormente, el Venerable Seokyong viajó por todo el país para aprender de un puñado de artesanos vivos para recuperar los métodos tradicionales de hacer f lores de papel. En paralelo, se basó en pinturas de f lores de papel de documentos históricos de los períodos Goryeo y Joseon. Las f lores de papel se ven con mayor frecuencia en las pinturas budistas, especialmente en las pinturas del ritual del néctar, dedicadas a las almas del inframundo para su renacimiento en la Tierra Pura de la Máxima Felicidad. Basado en pinturas que representan f lores de papel con una precisión relativamente alta, ha recreado muchas especies diferentes. Hasta donde él conoce, creaban hasta 60 especiesdistintas, de las cuales él conservó unas 25, y considera su misión buscar y restaurar el resto. Esta pieza representa el Mundo de Repositorios de Loto de Vairocana, la tierra dichosa de Buda. Para lograr una representación realista de las flores de loto, el Venerable Seokyong una vez pasó cuatro días seguidos viendo flores abrirse y marchitarse. “Arreglo en forma de abanico de Bulduhwa.” 220 ×180 cm.Muestra tradicional de flores de papel donde el número de flores aumenta progresivamente hacia arriba. Bulduhwa (literalmente “cabeza de Buda”), una especie de hortensia, florece en árboles que suelen estar en terrenos de templos budistas, en torno al cumpleaños de Buda. De los diversos materiales de referencia que el monje ha recopilado para este fin, destaca una fotografía en blanco y negro de un libro sobre Corea publicado hace un siglo. “A mediados de la década del 2000, cuando era monje superior del templo Gogwang de la orden Cheontae, en Copenhague, viajé a Suecia”, recuerda. “Y en una librería hallé ‘I*Korea’ [Elanders Boktryckeri Aktiebolag,1912], escrito por William Anderson Grebst, un periodista que visitó Corea a finales del periodo Joseon. Sentí gran felicidad al hallar en el libro una foto de peonías hechas con papel finamente plisado”. El Venerable Seokyong ha trabajado mucho para mostrar la artesanía tradicional de las f lores de papel al mundo, y ha realizado exposiciones en Dinamarca, Canadá, Japón, Bélgica y Estados Unidos. En junio de 2014, cuando participó en el Charles County ArtsFest en Maryland, EE. UU., habilitó un espacio para que los lugareños intentaran crear sus propias f lores de papel que tuvo mucho éxito. En julio de 2017, exhibió más de 30 obras en “Korea Art & Soul”, un festival anual patrocinado por la Fundación de Artes Culturales Coreano-Americanas. El público quedó entusiasmado con un magnífico arreglo en forma de abanico de dos metros de altura y otro en forma de cono con más de 250 f lores. “Peter Murphy, presidente de la Junta de Com isionados del condado de Charles, se acercó a mí en ArtFest y comentó lo impresionado que estaba con mi trabajo. Luego, sacó su placa de comisionado del condado de su solapa y la puso en mi bata. Todos los reporteros se quedaron bastante sorprendidos”, explica. Actualmente, el Venerable Seokyong tiene un taller en un edificio alquilado en Icheon, provincia de Gyeonggi. Aunque desde que este arte fue reconocido oficialmente como patrimonio cultural provincial, cuenta con las condiciones mínimas para formar alumnos pero sus circunstancias como artesano aún dejan mucho que desear. “Solo espero tener un lugar estable donde poder centrarme en mi arte y que muchos puedan venir a aprender el oficio”, concluye. “Arreglo de peonías en forma de cono.” 200 × 85 cm.Ramo de peonías que recrea las flores de papel representadas en la pintura del ritual del néctar del templo Yakusenji, prefectura de Hyogo, Japón. Pintado en corea en 1589, a mediados de la era joseon, es la pintura más antigua existente del ritual del néctar. Lee Jung-eunCEO, Cheyul Ahn Hong-beomFotógrafo

Un pódcast con voces de cambio

Tales of Two Koreas 2021 WINTER 122

Un pódcast con voces de cambio Un pódcast con voces de cambio “Sabujak”, un pódcast producido por alumnos universitarios, abre el micrófono a refugiados norcoreanos esperando que sean más aceptados en la sociedad surcoreana.Su emisión en la radio les ayuda a “bajar la guardia” en conversaciones sinceras con nombres ficticios. “Seré sincero: soy de corea del norte”. Cualquier refugiado norcoreano que viva en Corea del Sur precisa considerable valor para decir esa simple frase, pues normalmente genera sospechas, burlas y discriminación. “Sabujak” (podcast_sabujak) intenta mitigar tan dura actitud a través de sinceras conversaciones con refugiados norcoreanos. Este pódcast de radio, a cargo de alumnos universitarios en Seúl, tiene como objetivo eliminar los prejuicios hacia los reasentados del Norte y romper el muro emocional que los segrega. En el mundo ideal de estos alumnos, decir “soy de Corea del Norte” debería provocar una respuesta tan indiferente como, “Ah, ¿sí? Yo soy de Daegu”, en vez de condescendencia. De ahí el nombre del pódcast: una pensada mezcla de palabras coreanas que significan “pequeña charla fraternal con amigos de Corea del Norte”. La mayoría de los invitados se resisten a revelar su identidad, por temor a que sus familias en el Norte puedan sufrir abusos. Prefieren apodos como “Kyongsong hongo de pino” o “Hyesan arroz de patata”, que aluden a platos típicos del condado de Kyongsong, en la provincia de Hamgyong del Norte, y de la ciudad de Hyesan, en la provincia de Ryanggang. La promesa del anonimato ayuda a persuadir a los norcoreanos de ser entrevistados. Al empezar la emisión, la mayoría de los invitados vacilan. Pero pronto, los pensamientos nostálgicos parecen disipar ese reparo a hablar con franqueza sobre su vida y lugar de nacimiento. Al salir del estudio de grabación, muchos dicen sentirse más confiados para afrontar su vida en el Sur, y mostrarse más comunicativos. “Después de grabar cada programa, los invitados dicen: ‘Hasta ahora he intentado olvidar los malos recuerdos de Corea del Norte, pero tras contar hoy mis experiencias, acepto algo más mi pasado’. Entonces, me siento feliz por el pequeño efecto positivo que nuestro pódcast pueda tener en ellos”, e x pl ic a Park Se-ah, alumna de la Universidad de Yonsei y productora del programa. Se unió al pódcast como voluntaria tras dar clases a niños norcoreanos, por su incipiente interés en los refugiados de Corea del Norte. La mayoría de los invitados a Sabujak, un pódcast producido por estudiantes universitarios, desea el anonimato, pero algunos permiten revelar su nombre o su rostro.Park Ye-young, director de la Cooperativa Unificada de Corea, salió tres veces en el programa del 11 al 13 de octubre de este año bajo el pseudónimo “Kim Chaek Hairy Crab”.Integrantes de Sabujak, Park Se-ah, Ahn Hye-soo y Park Ye-young (desde la izquierda). © Sabujak EL COMIENZO El podcast nació en 2018. Fue una creación de Park Byung-sun, entonces alumno de Administración de Empresas en la Universidad de Yonsei.Ahora trabaja en una consultora. “Lo lancé con el anhelo de que los surcoreanos no se sintieran tan distanciados de los refugiados norcoreanos, y fueran más amigables con ellos al escuchar sus experiencias en un pódcast”, recuerda Park. “Sentí que no debía alejarme de los prejuicios y la discriminación que sufren en nuestra sociedad. Así, llegué a la conclusión de lanzar un pódcast que narrara sus historias sin editar, tal como son”. La primera emisión fue en agosto de 2018 a través de Project Jieum, un club de Yonsei afiliado a Enactus (una ONG sin ánimo de lucro fundada por el Instituto Nacional de Liderazgo de EE. UU.). En 1975. Jieum, cuyo significado metafórico es “amigos íntimos”, amplió su base más allá de Yonsei para incluir alumnos de la Universidad Católica de Corea, de la Universidad de Sogang, de la Universidad Nacional de Seúl, de la Universidad de Mujeres Sungshin, la Universidad de Mujeres Ewha y la Universidad de Chung-Ang. INVITADOS Tres equipos de tres alumnos llevan el pódcast. Todos han de ser multitarea: enviar invitaciones y rotar entre presentador, editor o director en cada emisión. Los pódcast se graban en Studio Bombyeot (Spring Sunray), cerca de la Universidad Hongik, casi cada semana de los semestres de otoño y primavera, cuyo final se considera “una temporada”. Cada uno tiene tres partes de entre 12 y 15 minutos. El primer segmento trata sobre la comida de la ciudad natal del invitado y su vida en Corea del Norte, el segundo sobre cómo escapar del Norte, y el tercero sobre cómo establecerse y vivir en el Sur. Antes de grabar, los productores charlan en línea con los invitados para crear una relación natural y plantear el programa, pero el guion no es cerrado, pues es una conversación f luida. En principio, no tratan temas políticos o religiosos, pero a veces salen fugazmente a instancia del invitado. En las primeras temporadas, la mayoría eran estudiantes universitarios, más fáciles de convencer al ser de la misma edad que los productores, pero últimamente llegan invitados de diversas edades, a medida que el programa es más conocido, y los que van lo presentan a familiares y conocidos. Hasta ahora, han recibido a unos 130 invitados, la mayoría gente corriente. Está diseñado así. Además de tratar la angustia emocional y las barreras que sufren los refugiados en Corea del Sur, los productores buscan crónicas de norcoreanos que nunca hayan sido foco de atención, para convencer a los surcoreanos de que los refugiados tienen más en común con ellos de lo que creen. Uno de los invitados más destacados fue un hombre de negocios buscado por el Departamento de Seguridad del Estado de Corea del Norte por sus actividades como “bróker de desertores” desde los 15 años. Otro invitado memorable fue un alumno de secundaria apodado “Kilju Meatball”.Nació y creció en el condado de Kilju, en la provincia de Hamgyong del Norte, donde se ubica el centro de pruebas nucleares de Punggye-ri. A lgunos revelan sus nombres reales, como Na Min-hee, quien con una sólida formación familiar, disfrutaba de una vida cómoda en Pyongyang y consiguió trabajo en Europa para ganar divisas para el régimen de Pyongyang, u otro identificado como Joo Seong-ha, que ahora trabaja como reportero internacional para Dong-A Ilbo, un prestigioso diario de Seúl. Park Ye-young, directora de la Cooperativa Unificada de Corea, quería usar su nombre real, pero los productores le dieron el apodo de “Kim Chaek Hairy Crab”. “Cuando Park agradeció a los alumnos surcoreanos por lanzar un pódcast con interés genuino en temas como la división y la reunificación, nos animó”, recuerda Ahn Hye-soo. Ella estudia Derecho de la Universidad de Mujeres Sungshin, y su abuelo era oriundo de la provincia de Hwanghae, en Corea del Norte. Se unió al pódcast tras conocerlo por el “boca a boca”. Sabujak intenta presentar los detalles de cada invitado refugiado norcoreano con la mayor franqueza posible, sin exagerar ni generalizar. Los pódcast se graban en Studio Bombyeot (Spring Sunray) cerca de la Universidad Hongik. La foto muestra al equipo de Sabujak en el estudio. De izda. a dcha. Ahn Seong-hyeok, Ahn Hye-soo y Park Se-ah. © Han Sang-moo OPERATIVA Desde la 3ª temporada, que comenzó en septiembre de 2019, en la producción también participan Alumnos de Corea del Norte. Entre ellos figuran Ahn Seong-hyeok, estudiante senior de Ciencias políticas en Yonsei, y Park Beom-hwal, alumno de 2º de Educación física de la Universidad Nacional de Seúl. Ahn huyó de Chongjin, en la provincia de Hamgyong del Norte, con sus padres y llegó al Sur en diciembre de 2011. Es el actual director del pódcast. Los comentarios son la mejor herramienta de comunicación de Sabujak. Los oyentes dejan mensajes en Instagram, mayormente positivos, y algunos incluso envían “card news” sobre las transmisiones de la semana anterior. “Me uní al equipo por un amigo que integraba el pódcast”, comenta Ahn. “Me llena de orgullo cuando los invitados dicen que a menudo están demasiado ocupados para pensar en su ciudad natal, pero que pueden hablar de los viejos tiempos gracias a nuestro programa”. La 7ª temporada comenzó en agosto de 2021. Reciben ayuda para alquilar el estudio de grabación y el coste de emitir en vivo de agencias como la Fundación Wooyang, una organización benéfica; del Centro Cultural para la Integración Intercoreana, dependiente del Ministerio de Reunificación; y del Instituto de Innovación en Educación Superior de la Universidad de Yonsei. El número acumulado de búsquedas de Sabujak superó las 200.000 en septiembre de 2021, un dato saludable considerando que los pódcast de radio compiten por la atención con los hits de las plataformas de vídeo y los audiolibros. Los oyentes envían mensajes o dejan su opinión por Instagram. La respuesta ha sido positiva, con comentarios alentadores y de apoyo, lo que obviamente anima a estos voluntarios. Y entre los refugiados el pódcast tiene tirón, lo que asegura que no faltarán invitados. Como complemento al pódcast, los productores han publicado un libro de ensayos titulado “Viviré una vida común pero especial”, una colección de historias de 12 invitados de las temporadas 1 y 2. El libro arroja luz sobre sus motivos para huir de Corea del Norte, sobre cómo se reubicaron, y las dificultades que encontraron en el Sur. Ref leja sus pensamientos, emociones y recuerdos, y destaca las similitudes y diferencias entre las dos Coreas. Una colección de ensayos titulada “Llevaré una vida común pero especial” presenta alimentos únicos de Corea del Norte con recetas ilustradas. En el libro, 12 invitados al podcast presentan platos de su ciudad natal, con experiencias y recuerdos sobre la comida de su tierra. © Project jieum CAMBIO DE PERSPECTIVA Los productores explican que, al de hablar con sus invitados, comprendieron que su propia visión sobre los refugiados norcoreanos era muy difusa. Admiten que al implicarse en el pódcast, asumieron que todos los refugiados pensarían de modo similar y podrían clasificarse en “una sola categoría”. En cambio, aprendieron que poseen perspectivas y actitudes más sofisticadas. Por ejemplo, no describen a los surcoreanos a grandes rasgos, sino que ven a los sureños como “individuos con características y peculiaridades propias”. Así, los productores han ido poco a poco abandonando los tópicos, y reconocen que su “desfile de invitados” presenta una cohorte con muchos matices. Ahora intentan retratar a los refugiados norcoreanos, no como un colectivo con una imagen particular, sino como individuos singulares. “Al debatir en clase sobre la reunificación nacional, los alumnos mantienen opiniones divididas. Resulta desgarrador escuchar a los jóvenes llamarse ‘enemigos’”, detalla Ahn Seong-hyeok.“Quiero emitir las historias de los refugiados norcoreanos por mucho tiempo, para que nuestro pódcast pueda desempeñar f ielmente el papel de puente entre sur- y norcoreanos, para ayudarlos mutuamente a comprenderse mejor”. Kim Hak-soonPeriodista y profesor visitante, Escuela de Medios y Comunicaciones, Universidad de Corea

Soñando con la paz

Image of Korea 2021 WINTER 113

Soñando con la paz Soñando con la paz Primaver a, década de 1960. Como joven soldado asignado a la Zona Desmilitarizada (DMZ) me dirigía a una ribera árida próxima para perderme en un paisaje de hipnótica belleza. En el borde del acantilado f lorecía un aluvión de azaleas rosadas y, a lo largo del río, donde una vez antes de la guerra hubo una aldea, las malas hierbas cubrían una pared rectangular, entre f lores de melocotón y albaricoque esparcidas aquí y allá. Ese soldado vive ahora sus años crepusculares pero el enfrentamiento entre las dos Coreas perdura. A lo largo de esa tranquila orilla las f lores aún relucen y los frutos maduran junto con las estaciones. ⓒ Park Jong-woo El 27 de julio de 1953, tres años después de comenzar la Guerra de Corea, un acuerdo de alto el fuego creó la Línea de Demarcación Militar (MDL). La línea de armisticio se expande de este a oeste por unos 240 km, serrando la península de Corea en Norte y Sur. Una zona de seguridad de 4 km de ancho se extiende a ambos lados de la MDL, con 2 km a cada lado, para evitar más conf lictos armados. Es la DMZ. Con unos 907 km2 en total, la zona está marcada con altas vallas y soldados de ambos lados la patrullan. Al llamarse “desmilitarizada”, debería carecer de armamento y de toda actividad militar, pero la realidad ni siquiera se acerca. El área está repleta de minas terrestres y los militares de ambos bandos conforman una de las mayores fortificaciones armadas del mundo, vestigio de la Guerra Fría. En la propia MDL hay un área de seguridad conjunta de 400 m de radio, custodiada por tropas del Sur, del Norte y de la ONU. Es Panmunjom, lugar de renombre y atención internacional hasta el día de hoy. Mientras, a unos 10 km al norte y al sur de la zona desmilitarizada hay otro conjunto de vallas para evitar que los civiles entren sin permiso, es la llamada Línea de Control Civil. Sin embargo, dentro de la zona, y de conformidad con el acuerdo de armisticio, algunos civiles viven en la aldea de Daeseong-dong del Sur, y en la aldea Kijong-dong del Norte. Al no residir humanos, la DMZ se ha convertido en uno de los hábitats naturales mejor conservados del mundo, donde muchos animales y plantas en peligro de extinción crecen libremente.Cada año, a principios de octubre, miles de grullas de nuca blanca que vuelan hacia el sur para escapar del frío siberiano recogen las espigas de arroz esparcidas por la llanura de Cheorwon, al norte de la Línea de Control Civil. Y a principios de noviembre llegan las aves más sagradas para nuestro pueblo: las grullas de corona roja. Veo las imágenes de las aves que regresan, soñando con el día en que la DMZ se transforme por completo, y por fin, en un pacífico parque ecológico que las gentes del Norte y del Sur puedan disfrutar. Kim Hwa-young Crítico literario y miembro de la Academia Nacional de las Artes

Presentan la colección de arte de Lee Kun-hee

Focus 2021 WINTER 118

Presentan la colección de arte de Lee Kun-hee Presentan la colección de arte de Lee Kun-hee La familia del fallecido presidente del Grupo Samsung, Lee Kun-hee, ha donado unas 23.000 piezas de su vasta colección de arte, que incluye Tesoros Nacionales e importantes obras de arte moderno y contemporáneo. El Museo Nacional de Corea y el Museo Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo (MMCA), los principales receptores de esta colección, seleccionaron cuidadosamente piezas para exposiciones especiales que han generado un abrumador entusiasmo público. “Claridad tras la lluvia en el monte Inwang” Jeong Seon (1676-1759). 1751. Tinta sobre papel. 79,2 × 138 cm.Obra emblemática del eminente pintor de la corte de Joseon, Jeong Seon. Pintura de tinta y acuarela. Representa nubes de lluvia de verano tras el monte Inwang en Seúl. Nacido y criado en un vecindario próximo, Jeong captó una montaña que conocía bien con atrevidas pinceladas. Rompió con la tradición del paisaje conceptual y sugirió un enfoque que alentó a los pintores a representar el paisaje real que veían. Cuando el expresidente del grupo Samsung, Lee Kun-hee, falleció en octubre de 2020, la vasta colección de arte que dejó atrás se convirtió en tema candente de interés público y especulativo. El amor de la familia Samsung por el arte se remonta al padre de Lee y fundador del grupo, Lee Byung-chul. Lee Kun-hee y su esposa multiplicaron la heredada colección, algunas de cuyas obras ya se muestran en público. El Museo de Arte de Samsung Leeum, ubicado en Seúl, y el Museo de Arte Ho-Am (en alusión al seudónimo de Lee Byung-chul) en Yongin, a unos 40 km al sur de Seúl, exhiben pinturas, cerámicas y otras obras de arte antiguas y modernas de esa colección. Pero el fondo de ese tesoro artístico permanecía sin revelar, y ha despertado la curiosidad del público. Algunos afirman que la “colección Lee Kun-hee” excede en valor artístico y cultural a todas las posesiones del Museo Nacional de Corea o del MMCA, y su valor monetario asciende presumiblemente a billones de wones. En abril de 2021, la familia de Lee anunció que donaría unos 23.000 objetos y obras de arte de su colección privada. Las piezas antiguas fueron regaladas al Museo Nacional de Corea y las obras de reconocidos artistas coreanos y extranjeros al MMCA. En reconocimiento, el Museo Nacional de Corea organizó una exposición especial titulada “Un gran legado cultural: obras maestras del legado del difunto presidente de Samsung, Lee Kun-hee”, del 21 de julio al 26 de septiembre de 2021, mientras el MMCA hizo lo propio con “Colección Lee Kunhee: obras maestras del arte coreano”, el 21 de julio, que podrá verse hasta el 13 de marzo de 2022. “Agua-Luna Avalokitesvara” (izquierda) Siglo 14. Tinta y color sobre seda. 83,4 × 35,7 cm.Avalokitesvara es un bodhisattva que se cree muestra compasión por los muchos seres que sienten, al igual que el reflejo de la luna en el agua clara se puede observar en muchos lugares diferentes. La delicada armonía de patrones y suaves colores bajo la prenda translúcida, reflejan la exquisita belleza característica de la pintura budista de Goryeo. “Avalokitesvara de mil brazos” (derecha) Siglo 14. Tinta y color sobre seda. 93,8 × 51,2 cm.Dicen que Avalokitesvara de mil brazos salvó a los humanos con sus innumerables manos y ojos. El budismo coreano tiene una larga tradición de fe en este bodhisattva omnisciente de la compasión, pero esta es la única pintura sobre el tema. El bodhisattva está representado con una cara de 11 lados y 44 manos, y en cada una sujeta un objeto auspicioso. OBRAS MAESTRAS MODERNAS Y ANTIGUAS Decenas de obras de destacados artistas coreanos modernos fueron donadas a museos de arte municipales, ubicados en regiones de las que procedían dichos artistas. Así, obras de Kim Whanki (1913-1974) y Chun Kyung-ja (1924-2015) fueron al Museo de Arte de Jeonnam en Gwangyang, provincia de Jeolla del Sur; pinturas de Lee In-sung (1912-1950) y Seo Dong-jin (1900-1970) aterrizaron en el Museo de Arte de Daegu; y trabajos del pintor Park Soo-keun (1914-1965) fueron enviados a un museo con su nombre en el condado de Yanggu, provincia de Gangwon. De las piezas donadas, las más significativas son los objetos y las obras de arte que fueron a los dos museos nacionales, e incluyen fecundas obras de la historia del arte coreano. El Museo Nacional de Corea recibió unos 21.600 objetos que abarcan desde períodos prehistóricos hasta la dinastía Joseon (1392-1910). Van desde loza, cerámica, esculturas y muebles de madera, hasta caligrafía y pinturas. De ellos, el museo seleccionó 77 piezas para una muestra pública que representa la cumbre de estética y del arte de sus respectivos períodos. Como objetos destacados figuran la pintura de tinta y lavado “Claridad tras la lluvia en el monte Inwang” (1751) del eminente pintor de la corte real Jeong Seon (1676-1759), de finales del período Joseon; estatuas budistas de bronce dorado designadas como Tesoros Nacionales; y “Avalokitesvara de mil brazos”, una pintura budista de Goryeo que representa la elegante belleza del bodhisattva con elaborados detalles. La pieza central de la exposición fue “Claridad tras la lluvia en el monte Inwang”, que representa el paisaje de una montaña ubicada al oeste del Palacio Gyeongbok en el centro de Seúl. La pintura fue creada en un momento en el que el Grand Tour era la tendencia entre los artistas europeos, lo que aumentó la atención por las pinturas paisajísticas. Dicha obra es comparable a otras que el pintor paisajista galés Richard Wilson produjo durante su visita a Italia en 1750. “Mujeres y vasijas” Kim Whanki (1913-1974). 1950. Óleo sobre lienzo. 281,5 × 567 cm.Mujeres con torso descubierto y vasijas de porcelana blanca, grullas y ciervos son motivos que Kim Whanki representó a menudo entre finales de los ’40 y los ’50, y también protagonizan este lienzo. Como gran mural, evoca un decorado trascendente a partir de figuras, objetos y estilizados animales que contrastan con un fondo color pastel. © Whanki Foundation · Whanki Museum UNA DONACIÓN RELEVANTE El MMCA recibió 1.488 piezas de la colección del difunto Lee. Es la mayor donación en la historia del museo y, lo más importante, incluye algunas obras raras e icónicas de principios del siglo XX.Las 58 obras modernas y contemporáneas mostradas incluyen algunas de las piezas de los artistas más notables o que marcaron importantes hitos en la historia del arte coreano. La primera mitad del siglo XX, desde la ocupación japonesa hasta la división territorial de Corea entre Norte y Sur, junto con el estallido de la Guerra de Corea, fue un período sombrío de agitación y devastación. Por tanto, gran parte de las obras de arte de esta época fueron destruidas o se perdieron, dejando un gran vacío en la historia del arte del país. “Paraíso” (derecha) Baik Nam-soon (1904-1994). Apróx. 1936. Óleo sobre lienzo. Pantalla de ocho paneles. 173 × 372 cm.Baik Nam-soon fue una pintora coreana de primera generación que estudió en Tokio y París. El paisaje de esta pintura a gran escala mezcla utopías orientales y occidentales, que recuerdan a Shangri-La y a La Arcadia. Refleja la querencia de la artista por combinar motivos y técnicas orientales y occidentales. Cuando su esposo, Im Yong-ryeon (1901-?), También pintor, desapareció durante la Guerra de Corea, Baik se mudó a Estados Unidos con sus hijos en 1964. Desde entonces no se ha sabido mucho sobre su carrera. “Jackstones” (Gongginori) Chang Ucchin (1917-1990). 1938. Óleo sobre lienzo. 65 × 80.5 cm.Chang Ucchin es reconocido por sus distintivas representaciones simples, como cuentos de hadas, y de temas familiares cotidianos como casas, árboles y pájaros. Con este trabajo seminal, Chang obtuvo el primer premio en un concurso de arte convocado por el diario Chosun Ilbo a los 21 años. Carente de detalles pero con buena composición, la pintura muestra el potencial del artista antes de desarrollar su técnica característica. Particularmente, destacan “Paradise” de Baik Nam-soon (1904-1994), “Jackstones” (Gongginori) de Chang Ucchin (1917-1990) y “Echo” (Sanullim) de Kim Whanki. “Paradise”, única obra de gran tamaño de Baik descubierta hasta la fecha, es una pintura al óleo sobre lienzo que recuerda a una pantalla plegable tradicional de ocho paneles, y fusiona los estilos artísticos de Oriente y de Occidente. “Jackstones” es una de las primeras y preciosas pinturas de Chang, con la que fue premiado en un concurso de arte organizado por una editorial periodística cuando él tenía veinte años. Su representación realista, que evoca la pintura de género, es claramente distinta de las obras de apogeo del artista marcadas por una simplicidad y una inocencia pueril. Kim Whanki se fue a Nueva York en 1963 y continuó trabajando allí. “Echo”, obra magna en el apogeo de su carrera, es una pintura puntillista que finalizó en 1973, un año antes de fallecer, y atrajo multimillonarias ofertas en subastas en Seúl, Nueva York y Hong Kong.   “Composición” Lee Ungno (1904-1989). 1971. Color sobre tela. 230 × 145 cm.Lee Ungno es reconocido por abrir camino en el arte coreano con su incansable espíritu experimental que trasciende géneros y motivos. La serie “Carta abstracta”, que comenzó a principios de los ’60, muestra sus experimentos formativos. A diferencia de sus obras previas de tendencia lírica, las letras de esta pieza son más tridimensionales y abstractas. “Trabajo” Yoo Young-kuk (1916-2002). 1974. Óleo sobre lienzo. 136 × 136.5 cm.A principios de los ’60, Yoo Youngkuk se adentró en las montañas, como epítome del sublime misterio de la naturaleza, para experimentar elementos pictóricos como la forma y el color. Creada en un punto de inflexión de su viaje artístico, esta pintura muestra formas y colores más desinhibidos que su absoluta abstracción de años anteriores ABRUMADOR INTERÉS PÚBLICO El interés público por las obras de arte donadas se deja ver en la enorme agilidad en reservar entradas para las exposiciones. Tan entusiasta respuesta deriva en parte de la curiosidad por el tesoro artístico del hombre más rico de Corea, pero también del reciente impulso en consumo cultural al aumentar los ingresos nacionales. También inf luyeron celebridades reconocidas como entusiastas del arte, especialmente RM (líder de BTS), quien disfruta visitando exposiciones de arte en su tiempo libre, gesto que ha logrado despertar entre el público un fuerte interés por el arte, particularmente entre los más jóvenes. Sin embargo, debido a la pandemia ambas exposiciones tuvieron que limitar estrictamente el número de visitantes por franjas horarias. La acalorada competencia por reservar boletos generó hasta incidentes por la reventa ilegal de entradas gratuitas, hecho que desde entonces fue erradicado. La exposición anual de Bellas Artes de Joseon, que comenzó en 1922 siguiendo los pasos de las exposiciones de salón en Europa, fue la primera de arte abierta al público en Corea, e introdujo una nueva experiencia cultural. Hasta hace poco, muchos solían comparar ir a una galería de arte con un evento especial, reservado para un pequeño número de aficionados al arte. En los últimos años, ir a una galería o a un museo de arte y pasar luego por una cafetería cercana, es visto cada vez más como una actividad de ocio para cualquiera. La presentación de las obras de arte de la colección privada de Lee Kun-hee ha impulsado enormemente el entusiasmo del público por las bellas artes. “Camino amarillo” Chun Kyung-ja (1924-2015). 1983. Color sobre papel. 96.7 × 76 cm.A Chun Kyung-ja le gustaba dibujar mujeres y flores en una atmósfera de ensueño, usando pigmentos orientales tradicionales y las propiedades del papel. En esta pintura representó a su nuera mayor con su exótico estilo, basado en su sensibilidad al color y su lirismo literario. Ha Kye-hoon Crítico de arte

People

Una vida de milagros

In Love with Korea 2021 WINTER 112

Una vida de milagros El padre católico Kim Ha-jong, nacido como Vincenzo Bordo en Piansano, Italia, llegó a Corea en 1990, donde se embarcó en una vida dedicada al cuidado de los pobres. Pese a la pandemia del coronavirus, su centro de bienestar distribuye loncheras a diario entre cientos de personas hambrientas y sin hogar. Durante los últimos 30 años, un delantal ha sido el atuendo diario del padre Kim Ha-jong. La espartana oficina de su comedor benéfico Anna’s House en Seongnam, provincia de Gyeonggi, tiene una foto del cardenal Stephan Kim Sou-hwan, difunto arzobispo de Seúl y precursor del movimiento democrático de Corea contra la dictadura militar en los años ’70 y ’80. Mientr as la pandemia continúa amenazando al mundo, el padre Kim Ha-jong propaga silenciosamente “otro tipo de virus”.Define el compartir como un “virus” que infecta a las personas con una felicidad viral altamente contagiosa. En Anna’s House, el centro de bienestar social que regenta en Seongnam, ciudad satélite de Seúl, ese intercambio adopta muchas formas. Desde principios de 2020, cuando la pandemia llegó a Corea, su principal logro es preparar a diario cientos de loncheras para pobres y personas sin hogar.El padre Kim abrió su comedor benéfico años antes del COVID-19. Muchos otros comedores cerraron al entrar en vigor las pautas sobre comer en interiores, pero el padre Kim se negó a sucumbir. “No puedes cerrar un comedor benéfico porque los estómagos no se van de vacaciones. El setenta por ciento de las personas que vienen aquí come solo una vez al día. Si no les das nada, no comen”, afirma. LONCHERAS GRATISCambiar a las loncheras fue difícil. Requería un sistema distinto y más dinero para los envases, y suponía un riesgo para la salud de todos los implicados. Pero desde enero de 2020, y con el permiso de las autoridades de la ciudad, Anna’s House ha venido ofreciendo entre 650 y 750 loncheras diarias sin mayor problema.Para el padre Kim, alimentar a los necesitados diariamente es un milagro. Recuerda una vez que había muy poco arroz. “Cada día usamos 160 kg de arroz y solo quedaba para dos días. Estaba preocu pado pero el cocinero dijo: ‘Dios proveerá’. Al día siguiente, hallamos 100 sacos de arroz en la puerta”.La gente tiene gestos así y dona comida, dinero, ropa, mascarillas y otros bienes. Muchos otros ofrecen su tiempo como voluntarios para preparar los alimentos, el envasado, la limpieza o gestionar las largas colas para las loncheras. Hay voluntarios de todo tipo, no solo católicos, sino también monjes budistas y musulmanes, celebridades, oficinistas y estudiantes. Incluso hay un perro llamado Louis Vuitton que hace sonreír a la gente.Los necesitados v ienen de todas par tes de Seongnam y de otros barrios de Seúl a por las loncheras, que se reparten a las 3 p.m. Mientras reciben la comida, el Padre Kim y los voluntarios saludan a cada destinatario y le dicen: “Bienvenido. Te amamos”.“Es cierto que la pandemia ha traído momentos difíciles, pero aquí ha propiciado el virus del amor y el compartir. Es otra cara de la pandemia realmente hermosa”, ensalza el padre Kim. AYUDAR A LOS NECESITADOSAntes de terminar secundaria Vincenzo Bordo, el futuro padre Kim, ya había decidido unirse al sacerdocio. Después de completar sus estudios universitarios en filosofía y religiones orientales se unió a los Misioneros Oblatos de María Inmaculada, cuyo objetivo es servir a los pobres. Su interés por Asia lo llevó a Corea, y poco después de llegar, en mayo de 1990, comenzó a trabajar con una monja que ayudaba a familias pobres.En su libro “Un momento de miedo, milagros diarios”, publicado en 2020, el padre Kim recuerda un punto de inf lexión en 1992. Conoció a un hombre medio paralítico de unos 50 años que vivía solo en un sótano mohoso y dependía de sus vecinos para llevarle comida (o no comer nada cuando no lo hacían). Tras hablar con ese hombre y ordenar su habitación, el padre Kim lo abrazó con su permiso, pero el hedor era tan desagradable que le dio ganas de vomitar. Y a la vez sintió una felicidad y una paz indescriptibles.Al ver que había tantas personas fuera del sistema de asistencia social, al año siguiente el padre Kim abrió un comedor para los necesitados. Entonces Corea era un lugar distinto, recuerda: “La gente me preguntaba por qué alimentaba a personas sin hogar. Me dijeron que no debía hacerlo, pues solo eran alcohólicos que traían problemas. Ya no es así. Nuestra sociedad realmente ha cambiado”.A raíz de la crisis financiera asiática de 1997, muchas personas perdieron su sustento y quedaron sin hogar. Al año siguiente, el padre Kim abrió un comedor benéfico con la ayuda de un benefactor cuya madre se llamaba Anna, por eso lo bautizó como “Anna’s House”. Empezó a ofrecer comida gratis a diario, salvo los domingos.Durante muchos años, el comedor funcionó en un espacio ofrecido por la catedral de Seongnam, pero tuvo que dejarlo en 2018. Cuando se acercaba el momento de partir, la ansiedad del padre Kim aumentó. Los funcionarios de Seongnam le dijeron que levantarían las restricciones del cinturón verde al otro lado de la carretera y que podría abrir un nuevo centro allí. Sin embargo, no era una solución viable pues no tenía dinero para el terreno.“Me preguntaba si realmente era el final”, explica. “Pensé que tendría que dejarlo y retirarme”. UN NUEVO HOGARPero la ayuda llegó en forma de entrevista. A regañadientes, el padre Kim cedió y aceptó verse con un diario local, según pensó erróneamente, pues la entrevista era para el programa “Human Theatre” (Ingan Geukjang) de KBS, la televisión pública nacional. Tras emitir el segmento sobre el padre Kim, “ocurrió otro milagro”. Las donaciones llegaron a raudales y rápidamente sumaron 1.200 millones de wones, suficiente para comprar el terreno. El padre Kim dice que el amor es su energía para servir a los necesitados en lo que una vez fue un país extranjero para él, pero ahora es su hogar. Cuando las dificultades lo llevaban al límite, siempre llegaba la ayuda precisa para seguir con Anna’s House, algo que él atribuye “al poder del amor”. Anna’s House reabrió sus puertas en un nuevo edificio en 2018. Aunque el comedor benéfico es su principal preocupación, los esfuerzos del padre Kim abarcan un amplio listado. Ahora ofrece atención médica, rehabilitación, asistencia jurídica y educación en humanidades semanalmente; así como refugio a personas sin hogar, ancianos y adolescentes fugitivos; una casa compartida para jóvenes; y un programa variable para fugitivos y jóvenes vulnerables.Antes del COVID-19, el programa de divulgación AJIT (acrónimo de aideul jikineun teureok, que significa “camión que protege a los niños”) se reunía con decenas de infantes en la calle cada noche. La pandemia ha frenado muchas actividades, pero el padre Kim mantiene AJIT con un pequeño coche burbuja que sale a la carretera de vez en cuando. AJIT en coreano significa “lugar de reunión” o “casa segura”.“Llevamos esperanza. Plantamos semillas de esperanza en la gente. Pueden convertirse en árboles grandes o fallar, nadie lo sabe. Pero debemos intentarlo al máximo”, asegura. SIERVO DE DIOSDurante los últimos 30 años, el padre Kim se ha puesto el delantal casi a diario. Los domingos lo cambia por ropa de ciclismo y pasea por las orillas del río Han, disfrutando de un precioso momento de relax. Aunque siguen pasando cosas maravillosas es mentalmente estresante, por no hablar del agotamiento físico que supone cuidar a los demás con tanto esmero día tras día. Cuando notó que su corazón latía más rápido de lo habitual, fue al médico y le dijeron que padecía estrés. Así, durante un tiempo tuvo que renunciar a su expreso matinal, el único hábito italiano que conserva.Por todo su arduo trabajo y generosidad, ¿qué recibe a cambio? “Trabajar con los pobres me hace feliz. Para mí, esto no es un trabajo. Mi misión, mi vida aquí, es acoger a estas personas, amarlas y ayudarlas”, resalta. Esta misión se ref leja en su nombre coreano Ha-jong, que significa “siervo de Dios”, mientras que el apellido Kim es un homenaje a Andrew Kim Tae-gon (1821-1846), el primer sacerdote católico nacido en Corea, ejecutado durante la dinastía anticristiana Joseon y canonizado en 1984 con otros mártires coreanos. El trabajo del padre Kim no ha pasado inadvertido, pues ha recibido muchos premios, incluido el prestigioso premio Ho-Am en 2014. Al preguntarle cuál de esos premios significa más para él, el padre Kim sonríe y menciona un grupo de niños de jardín de infancia que recientemente le dieron un paquete de billetes gastados de 1.000 wones que habían ahorrado. Otra recompensa que le hizo particularmente feliz es su ciudadanía coreana, otorgada por orden presidencial en 2015. Mucho antes de naturalizarse, decidió que se quedaría en Corea para siempre, y hasta firmó los papeles de donación póstuma de sus órganos.“Soy coreano, no extranjero”, resalta. “Cuando te enamoras, no hay razones”. Cada día a la 1 p.m., los voluntarios llegan a la cocina de Anna’s House para preparar loncheras. Deben ser ágiles para empacar arroz, guarniciones, sopa, pan, productos enlatados y otros artículos. El padre Kim (dcha.) siempre trabaja con ellos. A partir de las 3 p.m. el padre Kim y los voluntarios distribuyen las loncheras a las personas sin hogar que hacen cola frente a la catedral de Seongnam, al otro lado de la calle Anna’s House. En dos horas reparten más de 700 loncheras.

Artesanía en metal: solo con las manos

Interview 2021 WINTER 119

Artesanía en metal: solo con las manos Realizadas íntegramente a mano de principio a fin, las obras del orfebre Sim Hyun-seok comunican una estética moderada y la cálida sensibilidad del artista. Cada día en el estudio de Sim es tan regular como un reloj, totalmente guiado por su creencia de que los objetos hechos a mano enriquecen nuestras vidas. Metalsmith Sim Hyunseok en su estudio de Gapyeong, provincia de Gyeonggi. La mayoría de sus obras son variaciones de objetos comunes, fruto de un proceso que ofrece soluciones a sus propias necesidades, para luego convertir en arte el más exitoso de esos experimentos. Hace u nos años, el orfebre Sim Hyun-seok trasladó su taller y su hogar a Gapyeong, provincia de Gyeonggi, persiguiendo su añorado deseo de vivir entre la agricultura y el cultivo de f lores. Hasta entonces, pasó la mayor parte de su tiempo en el barrio Hwagok-dong de Seúl, trabajando en el estudio de su maestro y mentor. Ese aprendizaje duró unos 26 años: un compromiso que puede resultar difícil de entender para las generaciones más jóvenes, que priorizan el tiempo libre y el autocuidado.Después de tantos años de abordar cada día con mentalidad de “aprendiz”, el artista sigue siendo modesto y sencillo incluso a día de hoy, y acepta los entresijos de un proceso dado.Todas las obras de Sim son objetos de la vida cotidiana, desde accesorios de moda y artículos para el hogar, hasta cámaras estenopeicas hechas totalmente a mano, incluido el menor componen- te. Tras especializarse en artes y oficios en la Universidad de Konkuk, Sim continuó sus estudios de orfebrería en la Facultad de Arte y Diseño de Nueva Escocia, donde obtuvo una maestría. En 2016, recibió el premio Metalwork and Jewelry Award of the Year del Yoolizzy Craft Museum (fundado en honor al profesor Yoo Lizzy, pionero de la metalurgia coreana contemporánea), y desde entonces ha mostrado su trabajo en numerosas galerías e instituciones dentro y fuera de Corea, consolidando su reputación como artista de gran habilidad y con un fascinante cuerpo de trabajo. La plata parece su material favorito. ¿Qué hace a la plata tan atractiva?En la corte real de la dinastía Joseon (1392-1910) usaban cucharas de plata para asegurarse de que la comida no contenía sustancias dañinas. Cuan- do ciertas toxinas entran en contacto con la plata, el color del metal cambia a negro. Eso también indica que la plata es bastante buena para absorber ingredientes dañinos, por eso guardo piezas de plata en agua. Mantiene la frescura y mejora la calidad del agua. Como los cubiertos son caros, la gente tiende a guardarlos en vitrinas, pero al hacerlo, se decoloran. En cambio, la plata que se usa a diario no cambia de color.La gente también tiende a pensar que es difícil trabajar la plata porque es blanda, pero no es exactamente así. En orfebrería usamos mucha plata esterlina, con 92,5% de plata y 7,5% de bronce, un material bastante duro, y también más asequible. ¿En qué trabaja ahora? He estado trabajando sin descanso en una línea de accesorios, incluido un broche con forma de perro, y sigo con piezas que exploran formas geométricas. También preciso proyectos divertidos para adentrarme en meticulosas obras de arte. Es cuestión de equilibrio.Recientemente he estado haciendo cubiertos de acero inoxidable, es un gran material para ese fin. Es mucho más resistente que muchos otros materiales y, a diferencia de la plata, el latón o el cobre, no cambia de color. Aunque también puede ser bastante difícil de tratar. Tiene que unirse y no solo soldarse, y en algunos momentos precisaría más una instalación industrial que un taller privado, por lo que intento averiguar si podré usarlo o cómo mantener mi método habitual. Accesorios geométricos. Sim generalmente usa plata de ley, un metal más duro, pero recientemente ha empezado a usar acero inoxidable.© Cortesía de Sim Hyun-seok Accesorios bonitos y divertidos. Para equilibrar su práctica, el artista oscila entre proyectos meticulosos y estéticamente orientados y otros más alegres y divertidos. El trabajo más representativo de Sim es su cámara estenopeica plateada. Todas las piezas de la cámara, desde el cuerpo hasta cada accesorio y componente interno, están hechas a mano.Tarda varios meses en crear cada una de estas cámaras. ¿Qué quiere decir con “mi método habitual”?Me refiero a que todo el proceso se completa con mis propias manos, de principio a fin. Conozco bien mi capacidad y siempre intento hacer todo lo mejor que puedo, dentro de los límites de esa capacidad. “Los pequeños objetos que caben en una mano pueden ser los más difíciles de hacer. Esas son las cosas que quiero mejorar y mejorar, hasta perfeccionar su elaboración”. ¿Cómo llegó a las cámaras estenopeicas, su trabajo más conocido?La cámara estenopeica es, de hecho, la pieza que ayudó a elevar mi perfil en el mundo en general, pero han pasado bastantes años desde la última vez que hice una. Hace unos 20 años, tuve la suerte de conseguir una buena oferta con una cámara Leica, pero para tomar fotografías adecuadas de mis piezas, tuve que comprar una lente distinta. Al verla, comprobé que costaba entre 900y 1000 dólares estadounidenses. Así que pensé que tal vez podría hacer una yo mismo. Y así fue. Al usarla, las imágenes salieron bastante bien. Entonces pensé: apuesto a que también podría hacer el cuerpo de la cámara. Fue así como terminé haciendo una cámara completa con mis propias manos, y pudieron revelar correctamente sus fotos, como las de cualquier otra cámara. Diría que eso resume bastante bien mi proceso creativo. Hago lo que necesito en ese momento, y si estoy satisfecho con el resultado, entonces comienza el proceso de convertirlo en una pieza real... ¿Algún motivo especial para tan largo aprendizaje? Cuando estaba en la universidad, casualmente tuve la suerte de conocer al artista Woo Jin-soon. Lo invitaron a dar una conferencia en nuestra escuela y nos conocimos. Había muchas cosas de él que me atraían, desde cómo trabajaba la plata, hasta su estética en general. Seguí sus cursos en Konstfackskolan (Escuela Técnica de Estocolmo), la mayor universidad de Suecia para artes, oficios y diseño, donde me enseñó cómo y qué tipo de trabajo hacían los artistas del norte de Europa. Eso fue genial. Estuve con él desde 1992 hasta 2018 trabajando en su estudio a diario entresemana, desde las cinco o las seis de la mañana hasta las tres o las cuatro de la tarde, e incluso algunos sábados de vez en cuando. Pero finalmente tuvo que dejar ese estudio, y entonces fue cuando me mudé aquí.Estos días, empiezo a las nueve de la mañana y trabajo hasta las seis de la tarde, siempre pensando en vivir cada día lo mejor que pueda. En vez de pensar con anticipación a dónde quiero llegar, intento ser más como una hoja f lotando en la superficie de un arroyo y simplemente recorro el día, avanzo un poco en la dirección marcada, pero sin hundirme demasiado ni quedarme atascado. Tiendo a no hacer demasiados planes. Esa faceta de mi personalidad probablemente me ayudó a quedarme como aprendiz tanto tiempo allí. Pieza de Sim Hyun-seok para la exposición colectiva Craft Awon 2009, “The Peddlers’ Travels”. Muchas de las obras más impactantes de Sim son pequeñas y requieren máxima concentración y gran atención a los detalles.© Cortesía de Sim Hyun-seok ¿Qué tuvo de único su aprendizaje?Bueno, a decir verdad soy una persona bastante descuidada, y solo durante el aprendizaje con mi maestro la gente comenzó a decirme que era meticuloso. Al seguir cada paso necesario hasta el final, me acostumbré a ese tipo de minuciosidad, y eso a su vez moldeó el enfoque de mi propia práctica. Tomemos como ejemplo el lijado: 240, 400, 600, etc., a medida que aumenta la finura del papel, el lijado del metal es mucho más suave. Nunca omito ningún paso con el pulido, y uso el papel de lija que se adapta a cada etapa del proceso antes de pasar a la siguiente. En realidad, incluso si omites algunos pasos al final no hay apenas diferencia, pero siempre lo hago así.Por darle otro ejemplo… al soldar dos paneles usas este compuesto llamado bórax, ayuda al proceso de soldadura y previene la oxidación. Pero es sorprendentemente difícil mantener limpio el espacio de trabajo al usar estos materiales, por lo que el estudio no tardaba en ser un caos. Pero tanto el Sr. Woo como yo somos bastante exigentes en lo que respecta a la limpieza, por lo que siempre estábamos ordenando cosas y lavándonos las manos antes de empezar a trabajar. Mucha gente considera mis piezas como muy precisas: probablemente sea ref lejo de mi compromiso con ese tipo de proceso, paso a paso. ¿Hay algo concreto que espere ahora mismo?Solo quiero mantener este ritmo constante. Tengo una exposición en el extranjero, así que tendré que hacer algunos preparativos. Ah, y ahora que lo pienso, me gustaría intentar lanzar un “Taller de reparación de artesanías”. Como trabajo con metal, en realidad se me da bien entablillar o unir utensilios rotos de cocina y cosas así, y devolverles la vida. Uno de los méritos de las piezas de metal es que no se rompen. Incluso si una pieza de metal se arruga mucho, si se puede aplicar suficiente presión desde el otro lado, generalmente puede recuperar su forma, al menos hasta cierto punto. Al igual que podemos usar una aguja para coser un sofá de cuero roto, reparar objetos rotos y darles nueva vida, permitiendo al propietario original seguirlos usando durante mucho, mucho tiempo. Es una tarea significativa.

Cambio en los hábitos de estudio

Lifestyle 2021 WINTER 116

Cambio en los hábitos de estudio Los cafés de estudio, una combinación de espacio de trabajo alquilado convencional y cafetería, son la opción preferida de estudiantes, oficinistas y hasta personas mayores. Al ofrecer espacios para individuos y grupos, han experimentado un gran auge con la pandemia. Los cafés de estudio comenzaron a surgir en las grandes ciudades hace una década y luego aumentaron gradualmente. Pero la pandemia generó una drástica demanda, pues el cierre de escuelas y oficinas obligó a alumnos y adultos a hallar un lugar seguro para trabajar, bien en solitario o bien en grupo. Las sillas suelen separarse por un metacrilato, para disminuir la sensación de aislamiento. © TRISYS Cuando el COVID-19 obligó a cerrar la biblioteca de su universidad, Park Jeong-eun emigró a un café de estudio, uno de los escasos espacios comerciales que ha f lorecido durante la pandemia. El ruido ambiental del café le extrañaba al principio, pero ahora esta estudiante de ciencias políticas de la Universidad Inha de Incheon está enganchada a ese ambiente. Muchos cafés de estudio no tienen personal, pero intentan impulsar la competitividad con ofertas especiales. Muchos ofrecen buenos servicios de snack bar y algunos incluso cambian el menú cada temporada. © THENEWWAYS “Me fui adaptando gradualmente al nuevo entorno, pues ofrece un buen ambiente de estudio, pese a las restricciones de movimiento”, comenta Park. “Se ha convertido en uno de mis lugares favoritos porque me concentro mejor. Espero que la pandemia remita y poder regresar pronto a la biblioteca, pero incluso entonces, volveré aquí con mis amigos”. Los ca fés de estudio son un h íbr ido entre dokseosil (espacio de estudio comercial) y cafetería.La mayoría no tiene personal. Los usuarios compran una cantidad fija de tiempo en un quiosco y un escáner automático verifica su temperatura antes de entrar. Pueden sentarse en cualquier lugar y, cuando el tiempo expira, la electricidad de su estación de trabajo se apaga. Si desean más tiempo, puede recargarlo en el quiosco.La mayoría tienen entre 50 y 100 asientos. Hay mesas largas con separadores, y salas para reuniones en línea o presenciales, para los que hacen ruido al teclear o para los que buscan aislamiento total. El ruido ambiental, que, según una amplia investigación mejora la concentración y el rendimiento en las tareas, es la principal diferencia entre los cafés de estudio y un dokseosil. Sonidos na- turales como el agua que f luye o la suave brisa suenan de fondo mediante altavoces de sonido envolvente. DRÁSTICO INCREMENTOCuando los cafés de estudio aparecieron por primera vez hará unos 10 años, la mayoría de clientes eran alumnos de secundaria y jóvenes en busca de empleo. Pero la pandemia llevó al cierre de bibliotecas públicas y universitarias, y la falta de espacios tranquilos para estudiar, junto con la fatiga del encierro, les llevaron continuas oleadas de estudiantes universitarios y oficinistas.Tan creciente fiebre captó rápidamente la atención de estrategas corporativos y propietarios de franquicias incipientes, generando una estampida para abrir cafés de estudio, considerados un nuevo blue-chip. En febrero de 2021 había 40.824 cafés de estudio en Corea, un 18% más que en 2020, y la fiebre no muestra signos de remitir.“El número de cafés de estudio ha aumentado drásticamente en un año. Se consideran un buen negocio inicial, pues requieren de poco personal y tienen demanda constante”, explica Yoon Hyungjoon, presidente de Trisys, una franquicia de cafés de estudio que tiene unos 100 cafés, una modesta cifra en comparación con los entre 600 y 800 que poseen los grandes franquiciadores.Kim Sin-ae abrió una franquicia de Trisys en Goyang, provincia de Gyeonggi, en febrero de 2021. La pandemia estaba en su apogeo en Corea, y ella tenía el único café de estudio de su vecindario, pero en unos meses abrieron 10 o más. “Abre un café de estudio cada mes. El mercado está saturado, pero creo que la locura continuará por ahora”, pronostica. “Incluso si la pandemia remite, tendrán gran popularidad. Habrá un f lujo continuo de alumnos pues los cafés de estudio seguirán siendo atractivos para ellos. En ese contexto, cada tienda deberá pensar cómo impulsar su competitividad”.Antes de la franquicia, durante 16 años Kim dirigió otro tipo de espacio para estudiantes en Seúl:una academia extraescolar. Un café de estudio es menos estresante pues no requiere tratar con muchas personas, pero en cambio hay más trabajo físico, como rellenar la fuente de soda y el carrito de café cada mañana y cada noche, o mantener una limpieza diligente. Antes del toque de queda por la distancia social, su café nunca cerraba.“Ahora las ventas son bajas porque cerramos a las 10 p.m., pero ingresaba más cuando podía abrir 24/7 de lo que ganaba en la escuela intensiva. Creo que tomé la decisión correcta al cambiar mi línea de negocio”, comenta Kim. CULTURA DE ESTUDIO La pandemia no es el único factor que impulsa la popularidad de los cafés de estudio, pues ref lejan un cambio drástico en los métodos de enseñanza y aprendizaje. Ese cambio debería ayudar a mantener la demanda incluso al remitir la pandemia.Tradicionalmente, la educación al este de Asia se basaba en memorizar. Durante la dinastía Joseon (1392-1910), los jóvenes que preparaban pruebas a funcionario se recluían en los cuartos traseros de los templos budistas de las montañas para memorizar textos clásicos, al considerar que era su “billete” para una carrera pública y una vida cómoda.Y en la posguerra, el examen de ingreso a la universidad se convirtió en el nuevo hito, pues aprobarlo prometía estatus social y estabilidad financiera. Los alumnos pasan toda su adolescencia preparándose para ese examen. Cualquiera mayor de 30 años probablemente haya usado un dokseosil del vecindario y, por supuesto, las bibliotecas en sus días de secndaria. Pero, de algún modo, esos espacios pueden ser demasiado silenciosos. El sonido de una puerta al abrirse o los pasos que reverberan a cierto nivel, distraen.En la última década, las universidades comenzaron a descartar los exámenes parciales y finales, que eran esencialmente pruebas para ver qué estudiantes recordaban mejor los hechos y cifras memorizados. En cambio, enfatizan el pensamiento crítico para preparar a los alumnos para trabajar en la economía avanzada de Corea. Los proyectos e informes, a menudo completados en grupo, se hicieron más presentes en los cursos, y hoy los estudiantes deben demostrar su capacidad para identificar y resolver problemas.Eso implica que memorizar hechos y cifras en un lugar tranquilo ya no basta. Ahora, los alumnos necesitan un espacio para debatir y estudiar con sus compañeros, y en cierto modo los cafés de estudio son una opción natural: ofrecen una atmósfera más relajada que los dokseosil, que evitan el ruido ambiental, o que los gosichon, grupo de dormitorios privados donde los estudiantes y aspirantes a funcionario preparan los exámenes. Los uarios compran horas de uso del café en un quiosco antes de entrar.Pueden sentarse en una mesa abierta o en asientos individuales con protector de plexiglás. Casi todas las mesas tienen enchufe para conectar dispositivos. © INGStroy Inc.   ATMÓSFERA IDEAL No sorprende que las cafeterías comunes también hayan experimentado una drástica demanda de clientes. Cansados de trabajar en casa y de las videoconferencias, muchos oficinistas buscan un cambio de escenario y poder hablar cara a cara. Eso ha puesto de moda la palabra “coffice”, que alude a cafeterías-oficinas donde los trabajadores van a tomar un café.Lee So-mi, diseñadora de contenidos, se sentía agobiada al trabajar desde casa durante el confinamiento. Usó un café varios meses, pero no era fácil ni cómodo ocupar una mesa tanto tiempo con solo una taza de café. Además, era difícil hallar la cafetería adecuada para hacer videoconferencias. Para ella, los cafés de estudio surgieron como un mundo nuevo. Allí, podía trabajar sin ser molestada y hacer videoconferencias en una sala aparte. Eran económicos y el sistema de pago por horas fue de gran ayuda para ella, por sus horarios irregulares.El objetivo de una cafetería es vender bebidas y esperar una rotación constante de clientes, pero los que se quedan horas con una taza de café, no son bienvenidos. Los cafés de estudio ofrecen un equilibrio entre cafetería y dokseosil. De hecho, se han convertido en el destino favorito de una amplia gama de grupos de edad, y no solo para los más jóvenes.“Por supuesto, la mayoría de los clientes son alumnos y oficinistas”, explica Kim Sin-ae, a cargo de un café de estudio, “pero también vienen personas mayores. Clientes de todas las edades usan nuestro espacio para formarse y obtener licencias o certificados profesionales. Al estar a cargo de un café de estudio, cambié esa idea obsoleta de que solo estudian los jóvenes”. Algunos cafés de estudio crean su propio menú para vender alimentos, y otros cerca de las escuelas ofrecen bocadillos y bebidas gratis a los estudiantes. © TRISYS

Llevando la fantasía aquí y allá

Interview 2021 AUTUMN 455

Llevando la fantasía aquí y allá 문학 산책--> Llevando la fantasía aquí y allá Jeon Min-hee comenzó entre la vanguardia de escritores de fantasía en la Internet de los 90. Sus libros, a menudo revisiones de sus trabajos previos, son éxitos de taquilla en China, Japón, Taiwán y Tailandia, así como en Corea. Acude a esta entrevista en un acogedor café cerca del Palacio Gyeongbok, en el centro de Seúl. La escritora de fantasía Jeon Min-hee debutó en 1999 en la red de PC Nownuri con “The Stone of Days”. Sus detalladas descripciones y su lírica prosa lograron gran número de seguidores nacionales y extranjeros. Ninguna conversación sobre el pasado, presente o futuro de la escritura de fantasía coreana estaría completa sin la novelista Jeon Min-hee. Su primer libro, “La piedra de los días”, envía a Fabián, un empleado de una tienda de 18 años, a buscar cuatro joyas de un collar que recibió de su padre. Con un récord de 4 millones de páginas vistas en el sitio del portal Nownuri, sigue siendo “una leyenda” entre los fans acérrimos de la fantasía.Las creaciones únicas del fantástico mundo de Jeon también tienen devotos en el sector de los juegos en línea. El clásico RPG (juego de rol) de Nexon de 2003, TalesWeaver, y el RPG de 2013, ArcheAge, de XL Games, son adaptaciones de sus libros. Han pasado muchos años desde su debut…Comencé mi primera serie en 1999, por tanto han pasado 23 años. La primera entrega de mi trilogía “Children of the Rune”, titulada “Children of the Rune - Winterer” (2001-2009), se publicó por primera vez en rústica en 2001, o sea que también es el veinteavo cumpleaños de “Children of the Rune”. “Children of the Rune” también fue una gran sensación…“Children of the Rune - Winterer” tuvo siete volúmenes en total, y “Children of the Rune - Demonic” (2003-2020), nueve. En 2018, cambiamos de editor y revisamos todo. Entonces hicimos números y, aunque el dato no es exacto, habíamos vendido unos tres millones de copias hasta ese momento. ¿Por qué revisa constantemente sus libros?A la mayoría de los novelistas de fantasía no les gusta revisar sus obras. Muy pocos retrocedemos y cambiamos nuestra forma de escribir, como suelo hacer yo. Es porque dedicar ese tiempo a escribir nuevos trabajos es generalmente más agradable, sin mencionar que suele generar nuevos ingresos o consolidar tu reputación.Reviso y pulo todo hasta que estoy satisfecho con la nueva versión, pero cuando miro atrás y ha pasado más tiempo, siempre veo cosas que me gustaría incluir. Por ejemplo, cuando en 2004 relanzamos “La piedra de los días” con otra editorial, las partes que me parecían inmaduras eran tan obvias que no podía dejar que se imprimiera así, aunque, por supuesto sentía mucho aprecio por mi primer trabajo. Sin embargo, si lo hubiera dejado pasar, quizá tampoco me hubiera animado a revisar mis otros trabajos. “La gente tiende a pensar que las novelas de fantasía nacen directamente de la imaginación del autor, pero en realidad tienen una base de investigación de amplio alcance y meticuloso studio" La obra emblemática de Jeon es “Children of the Rune – Winterer” (2001-2019), “Children of the Rune – Demonic” (2003-2020) y “Children of the Rune – Blooded” (2018-). Narra la historia de unos niños que luchan por subsistir y forjarse una identidad entre luchas de poder post-civilización. ¿Cómo reaccionan los lectores a las revisiones?Como estas revisiones van más allá de pulir oraciones y en realidad agregan nuevos puntos y episodios de la trama, los lectores tienden a dividirse. Quienes pensaron que tendrían que comprar las ediciones revisadas probablemente se sintieron frustrados. Pero el número de lectores que disfruta de las revisiones ha crecido gradualmente. Algunos incluso organizan todo lo que ha cambiado y comparten detalles entre ellos. ¿Por qué sus historias dejan una impresión duradera?Cuando comencé a serializar mis escritos en el portal Nownuri con veinte años, no tenía un sentido real de mis lectores y solo escribía lo que quería. Luego, cuando mi trabajo se volvió sorprendentemente popular, pensé que debía haber muchas personas con gustos similares a los míos. Eso me dio conf ianza para concentrarme y asegurar que mi escritura siguiera siendo un fiel ref lejo de mi gusto. Así que dejé que mis historias crecieran orgánicamente, siguiendo las ideas que me llegaban.Me pregunto si ese no es uno de los inherentes encantos de la fantasía como género. Después de todo, la fantasía no se limita a un solo período de tiempo: su universalidad y su atractivo pueden abarcar y unir varias épocas. Logra equilibrio entre crear mundos y detalles…La gente tiende a pensar que las novelas de fantasía nacen directamente de la imaginación del autor, pero en realidad tienen una base de investigación de amplio alcance y meticuloso estudio. Por ejemplo, para establecer una historia con el telón de fondo de una ciudad imaginaria, inexistente en la vida real, primero se debe investigar a fondo la historia cultural de las ciudades humanas a través de los siglos. Ese trabajo de preparación permite elaboradas composiciones y descripciones detalladas. ¿Cómo empezó a escribir novelas de fantasía?Empecé a estudiar el género cuando era bastante joven. Entonces solo escribía lo que quería, pero al mirar atrás, comprendí que había estado escribiendo fantasía. Fui más consciente de la distinción del género a medida que comencé a interactuar en el grupo de fantasía de Nownuri: entonces comencé a escribirlo correctamente.Ahora que lo pienso, tuve mucha suerte. En la década de los 90 las novelas de fantasía empezaron a ganar terreno [en Corea], y había algo en el espíritu de esa época que tenía sentido para mí. Creo que mi estilo personal comenzó a resonar con el de la gente a la que le gustaban ese tipo de historias, y esa energía terminó siendo bastante poderosa.Yo era una estudiante de primero de universidad en 1994, y cuando llegué al último año, en 1997, Corea sufrió la crisis financiera [asiática]. No había trabajo para nadie, ni para los recién graduados. Como no había forma de ganar dinero, fue una oportunidad para probar algo con lo que disfrutaba. ¿Qué le atrajo del género fantástico?Creo que fue algo de niña, mientras me abría paso a través de una serie de “clásicos universales” infantiles.Me gustaban las historias que eran distintas a todo lo demás. Por ejemplo, me encantó “The Brothers Lionheart” de la autora sueca Astrid Lindgren, tambiénautora de la serie “Pippi Calzaslargas”.De hecho, más tarde comprendí el gran impacto que ese libro tuvo en “Children of the Rune - Winterer”. ¿Qué distingue a sus novelas?No creo que sea la persona adecuada para intentar identificar eso. De vez en cuando, habrá lectores que escriban un artículo criticando la construcción de mi mundo. Por ejemplo, hay lectores que clasifican mis obras como “ficción para adultos jóvenes”. Creo que eso tiene sentido.Estos días, la literatura para jóvenes adultos tiene un lugar estable en el mercado literario coreano, pero cuando comencé a escribir ni siquiera existía. Aunque tuve un motivo para elegir a los adultos jóvenes como público objetivo. En el período premoderno, había ceremonias de mayoría de edad y ritos de iniciación para niños. Quise escribir sobre un rito de iniciación para lectores de esa edad, en proceso de transformación de niños a adultos. Para mí, esa es la estructura de “Children of the Rune - Winterer”. Los niños están en un momento en que nadie puede ayudarlos, ni siquiera sus padres, y finalmente se encontrarán cara a cara con el objeto del que primero huyeron con miedo. También debe tener muchos lectores “de siempre”…El último volumen de la segunda serie de “Children of the Rune” salió en 2007, y el primero de la tercera serie, “Children of the Rune - Blooded”, en 2018. Son más de 10 años de diferencia. Puede haber lectores que hayan olvidado mis libros de entonces. Seguro que habrá lectores que hayan crecido y hayan conseguido trabajo o se hayan casado. Pero un día en una firma de libros en la Librería Kyobo, en una mañana nevada de invierno, llegaron más de 500 lectores. Sinceramente, no podía creerlo. Estos lectores comenzaron con “Children of the Rune - Winterer” cuando estaban en primaria y secundaria, y ahora volvían como adultos, con veinte y treinta años. ¿Cuáles son sus planes a futuro?Pues, mi agenda está totalmente repleta para el próximo año. Estoy en medio del guión de un nuevo juego que tengo que continuar trabajando, y también seguiré escribiendo “Children of the Rune - Blooded”. Shin June-bongReportero, The JoongAng IlboHan Sang-mooFotógrafo

Persiguiendo dinero rápido

Lifestyle 2021 SUMMER 300

Persiguiendo dinero rápido CULTURE & ART--> Persiguiendo dinero rápido La pandemia del COVID-19 causó una drástica venta de acciones a la que siguió un fuerte repunte, creando una nueva generación de inversores que buscan resolver su precaria situación de ingresos y ahorros. Im Su-bin, estudiante de último curso universi¬tario de 29 años, comenzó a invertir reciente¬mente en acciones con 300.000 wones (unos 260 dólares), suma que obtuvo trabajando a tiem¬po parcial. Aunque encontrar prácticas no es difícil en Corea, se antoja imposible conseguir un trabajo decente a tiempo completo, pues las empresas rece¬lan de los contratos fijos. Desesperada, Im apostó por invertir en acciones para cubrir sus gastos.Kim A-ram, traductora autónoma de 33 años, planeaba gastar sus ahorros en su luna de miel el pasado diciembre. Pero las limitaciones por COVID hicieron que muchos familiares y amigos no pudieran ir a su boda. Así que invirtió su “luna de miel” en la bolsa de valores. Ella espera que un repunte del mercado le deje una buena suma para ayudar a comenzar su vida matrimonial. Estas dos inversoras novatas no son excepción en su grupo de edad. En 2020, había 9,14 millones de inversores particulares en el mercado de valores coreano, un tercio de los cuales eran recién llega¬dos, según el Fondo de Valores de Corea. El total de activos en manos de particulares alcanzó 662 billones de wones a finales de 2020, 243 billones de wones más que los 419 billones de wones de finales de 2019. Los inversores particu-lares poseen el 28% del valor de mercado, con un aumento del 3,6% en un año.Los hombres poseían 489 billones de wones en acciones, más del doble que las mujeres, con 173 billones de wones. Pero las mujeres destacan en la selección de activos: el valor de las acciones en manos de las inversoras aumentó un 77%, de 97 billones de wones en 2019 a 173 billones de wones en 2020. Mientras, las acciones en manos mascu¬linas subieron un 52%, de 321 billones de wones a 489 billones de wones, en el mismo periodo. Muchas aplicaciones facilitan la compra-venta de acciones. Los corredores ofrecen incentivos para captar nuevos inversores de entre 20 y 30 años, apodados como ”hormigas“, que esperan convertir modestos salarios en grandes beneficios. ©freepik Comprar oportunidades Los jóvenes llevan décadas luchando por un empleo estable en Corea. Desde la crisis asiática de 1997 y el colapso financiero mundial de 2008, las empresas limitan la contratación a tiempo comple¬to y optan por contratos a corto plazo. A la vez, los bajos tipos de interés hacen que las cuentas de aho¬rro no sean rentables. Esto sitúa a muchos jóvenes en dificultades económicas, por no hablar de aho¬rrar para casarse o comprar una casa.Entonces, el COVID-19 abrió una ventana de oportunidad. El 5 de enero de 2020, el índice com-puesto de la Bolsa de Corea (KOSPI) cerró en 2.206 puntos. Pero a medida que la amenaza de la pandemia se volvió más alarmante para la econo¬mía, el KOSPI se desplomó hasta 1.566 puntos el 20 de marzo, perdiendo un 29%. A partir de ahí, repuntó por la gestión del COVID de Corea y ante el optimismo por el desarrollo de vacunas, los estí¬mulos públicos y la recuperación económica. Los precios de las acciones cayeron en picado y un hipotético regreso a la normalidad ofrecía la promesa de obtener ganancias rápidas. Oleadas de jóvenes abrieron cuentas para “remar en sus pro¬pios botes cuando llegara el agua”, como dice el refrán. Luego, a medida que avanzaba el año, el mercado laboral les dio más motivos para buscar dinero rápido. En diciembre de 2020, según Esta¬dísticas de Corea, 3,51 millones de personas de 20 años tenían empleo, un 3,9% menos que el año anterior, con una drástica caída respecto a otras edades. La tasa de desempleo entre los jóvenes en sus 20 aumentó un 0,9% interanual en diciembre de 2020. Los particulares, en concreto los inversores novatos de entre 20 y 30 años, representan supues-tamente la mayor parte del aumento del comercio de acciones en 2020, y su frenesí oportunista dio frutos. El KOSPI cerró 2020 en 2873,47 puntos, ganando un 80% sobre el mínimo anual de marzo. Atención mediática Nuevas palabras y frases de moda han acompaña¬do la marejada. Una de ellas es “Movimiento de hormigas Donghak”, derivado de los campesinos de Donghak, o “Eastern Learning”, que se rebela¬ron contra la intrusión extranjera a finales del siglo XIX, durante la era Joseon. El término refleja cómo inversores jóvenes a pequeña escala compran accio¬nes para proteger el mercado de valores nacional de inversores institucionales extranjeros. “Hormigas” alude a jóvenes asalariados. Otra palabra de moda es jurini, contracción de jusik (acciones) y de eorini (niño), que alude a “inversores principiantes”.La cobertura mediática también ha aumentado. Antes, solo hablaban de acciones o inversión los canales de negocios, pero hoy hasta los programas de entretenimiento cubren estos temas. Un ejemplo típico es “La marcha de las hormigas”, programa de variedades de KakaoTV lanzado el pasado septiem¬bre, que muestra cómo las celebridades invierten en acciones con cuentas a su nombre. Con buena audiencia y disponible en Netflix, cada episodio tiene unos dos millones de visitas.Mientras, MBC TV presentó un programa pilo¬to de dos partes sobre compra de acciones, “El sueño de las hormigas”, donde expertos económi¬cos enseñan conceptos básicos a las celebridades. En tanto, un episodio especial del programa de variedades “Running Man” de SBS TV, presentó simulaciones del mercado de valores; y Yoo Jae-suk, popular presentador de “Hangout with Yoo” de SBS, invitó a su programa a tres jóvenes inversores en marzo. El volumen de ventas y de ingresos sobre acciones, inversiones y fondos se multiplicó por cinco en el primer trimestre de 2021, sobre el mismo periodo en 2020, según Interpark, una plataforma en línea. © Gian Tendencia duradera Los expertos afirman que el entusiasmo inversor de los jóvenes continuará a largo plazo. Durante déca¬das no ha habido un alivio significativo al frágil empleo ni al alza de los precios de las viviendas, y pese a los intentos gubernamentales, los precios de los apartamentos en Seúl, donde vive casi la mitad de la población de Corea, se han duplicado los últi¬mos años. Al evaporarse el sueño de comprar una casa, los jóvenes retrasan su boda hasta ahorrar suficien-te dinero. En 2020, el número de matrimonios cayó a un mínimo histórico desde que existen registros en 1970. El año pasado se casaron unas 214.000 parejas, un 10,7% menos interanual, según Estadís¬ticas de Corea. “March of the Ants”, un programa de variedades de KakaoTV que ofrece consejos de inversión a principiantes, ha renovado por cuarta temporada. © Kakao Entertainment Una encuesta del portal de empleo en línea JobKorea muestra que 3 de cada 10 estudiantes universitarios del país invierten en acciones. Casi la mitad se lanzaron al mercado de valores hace menos de un año, cuando la pandemia de COVID empeoró sus ya débiles perspectivas de empleo. © The Dongguk Post Gyeongju “Los actuales veinte y treintañeros son muy distintos a los de generaciones pasadas, que poseían autos o soñaban con empezar a comprar una casa a esa edad ahorrando el salario mensual”, explica Park Sung-hee, investigadora senior de Korea Trend Research Institute: “Ahora alquilan el coche y comprar casa es una posibilidad remota”. “En vez de ahorrar para un futuro lejano, bus¬can obtener ganancias con pequeñas cantidades de dinero en inversiones a corto plazo”, destaca. “Encontrar trabajo es difícil y nadie garantiza un empleo de por vida, tendencia que ha agudizado la pandemia de coronavirus. Los jóvenes buscan obje¬tivos de inversión que no requieran contacto perso¬nal, y al ser casi imposible viajar al extranjero con libertad, volvieron la vista al comercio de acciones, algo que pueden hacer fácilmente con un teléfono inteligente”, agrega Park. Ra Ye-jin Reportera económista, JoongAng Ilbo S

Review

Candor y humor en un dúo padre-hijo

Art Review 2021 AUTUMN 417

Candor y humor en un dúo padre-hijo Una exposición artística poco común de un dúo (padre e hijo) resultó ser agradablemente entretenida, conmovedora y perspicaz. Joo Jae-hwan fue una importante figura en el movimiento artístico minjung, que resistió a la dictadura militar en la década de 1980. Su hijo, Ho-min, popular artista de animación en línea, ha heredado la habilidad de su padre para contar historias con ingenio y humor. “Retrato de Homin” (izda.). Joo Jae-hwan. 2020. Acrílico sobre lienzo, juguete de plástico.53,2 × 45,5 cm. “Retrato de Joo Jae-hwan”. Joo Ho-min. 2021. Dibujo digital.El pintor Joo Jae-hwan y el creador de webtoon Joo Ho-min, padre e hijo, posan frente a sus retratos - uno al lado del otro- en el Museo de Arte de Seúl.Joo Jae-hwan, el padre, observa los principales incidentes de la historia moderna con un ojo muy humorístico, y su hijo es famoso por el webtoon “Along with the Gods”, ingeniosa visión del límite entre la vida y la muerte, sobre los mitos coreanos. ¿Cansado de elevadas e incomprensibles exposiciones de arte? ¿Solo desea disfrutar del arte sin pensar demasiado? “Homin y Jaehwan” ofrecieron precisamente eso. Del 18 de mayo al 1 de agosto en el Museo de Arte de Seúl, parecía una exposición alegre a simple vista, pero no exenta de profundidad. Una muestra excepcionalmente mordaz destacó los problemas sociales sin ref lejar algo sombrío: el candor y el humor, subyacentes en las obras de ambos artistas, invitaban a la ref lexión a la vez de resultar entretenidas.Joo Jae-hwan muestra sus mensajes mediante una combinación de imagen y texto. Sus textos son metáforas poéticas que incitan a imaginar una narrativa implícita. En contraste, Joo Ho-min presenta explícitamente el texto como mensaje narrativo en globos, ofreciendo creatividad cinematográfica. La exposición conjunta de este dúo de padre e hijo puso de relieve las similitudes y diferencias en sus métodos, en cómo usan la imagen y el texto sus respectivos géneros. “Lluvia de primavera bajando una escalera”. Joo Jae-hwan. 2010. Acrílico sobre lienzo. 193,7 × 130 cm.Esta obra se mostró por primera vez en la exposición inaugural del colectivo de arte Reality and Utterance en 1980. Es una parodia de “Desnudo descendiendo una escalera” de Marcel Duchamp, expresa satíricamente los absurdos y la opresión de los socialmente marginados. Durante los siguientes 10 años, Reality and Utterance lideró el arte socialmente comprometido con el movimiento minjung misul (arte popular). EL PADREJoo Jae-hwan comenzó a estudiar pintura occidental en la Universidad Hongik en 1960, pero dejó los estudios por circunstancias familiares. Probó suerte en varios trabajos antes de establecerse como artista con casi cuarenta años. “Comencé mi carrera artística de forma orgánica, como si hubiera nacido para eso”, explica.Surgido en 1980, el colectivo artístico “Reality and Utterance” se disolvió diez años después, creando el movimiento minjung misul (“arte del pueblo”), un punto de inf lexión para que el arte calara socialmente. Como uno de los fundadores, Joo dejó una fuerte impresión en la primera exposición del grupo con su pintura “Spring Rain Descending a Staircase”, parodia de “Nude Descending a Staircase” de Marcel Duchamp. Desde entonces se han hecho muchas variaciones de esta obra. “Lluvia de primavera” alude a la orina de los hombres en la escalera. La racha de “lluvia” se hace más espesa al caer en cascada por las escaleras, y simboliza el absurdo y la opresión que las personas en la parte inferior de la escala social deben soportar.Como reflejan sus instalaciones, “Water vs. Illegitimate Children of Water” (2005) y “A Stolen Towel” (2012), Joo se inspira en su entorno cotidiano.La primera son botellas de bebida vacías y latas que cuelgan de un enorme tendedero, en alusión a los problemas ambientales. La segunda plantea la falta de moralidad en la sociedad moderna, con una toalla supuestamente robada de una sauna de barrio. Joo recicla objetos cotidianos abandonados para transmitir un mensaje social con un toque de humor y sátira: eso define su arte. En una entrevista reciente, comparaba su extenso mundo artístico y su sentido del humor con “un verbo intransitivo más que con un verbo transitivo”. Agrega: “He tenido esta creencia inmutable hasta el día de hoy: no hacer bostezar a los espectadores en mi exposición. Pero el tiempo me ha enseñado que cada artista tiene un mundo propio”.Durante sus años de juventud, Joo se rebeló contra la desigualdad social, la dictadura militar y las pinturas monocromáticas estereotipadas de Corea. Al vivir en una sociedad democratizada se ha calmado, y a menudo reflexiona profundamente en cómo “cada persona tiene sus razones”. Aprendió que “siempre hay dos caminos en la sociedad, un camino de esperanza y otro de desesperación entrelazados para seguir juntos. Es el destino humano: abrazar tanto la positividad como la negatividad”. Algo que aprendió por lo indefenso que está un artista, según confiesa.“Una vez que tu trabajo está colgado en la pared, te vuelves impotente. La evaluación se confía a los espectadores. Y cuando encuentran algo nuevo que nunca pensaste de ti, se convierte en una experiencia de aprendizaje totalmente innovadora”. “Water vs. Illegitimate Children of Water”. Joo Jae-hwan. 2005. Tendedero de aluminio, bebidas variadas. Dimensiones variables.Botellas y latas de PET vacías cuelgan de un gran tendedero para alertar de los problemas ambientales. En este comentario visual sobre los deseos del hombre moderno y los dobles raseros de consumo, Joo resalta que cuantas más bebidas carbonatadas consume, más sed tiene. “8601 Diamonds vs.Stone Rice”. Joo Jae-hwan. 2010. Olla, piedras, copia de foto en marco de vidrio.70,8 × 53,7 cm.Historia de una madre que vive en un barrio pobre de Brasil e intenta dormir a un niño hambriento se yuxtapone con “For the Love of God” de Damien Hirst, cráneo humano de platino cubierto de diamantes, señalando la disparidad de ingresos en un mundo capitalista. “Toalla robada”. Joo Jae-hwan. 2012. Acrílico sobre lienzo, collage de toalla. 66 × 53 cm.Este trabajo satiriza la falta de ética de los que roban toallas de los baños públicos de su barrio.Joo Jae-hwan selecciona objetos y episodios familiares y mundanos como motivos para la expresión intuitive “Happy Tears”. Joo Jae-hwan. 2008. Acrílico sobre lienzo, tinta de rotulador. 96,3 × 96,5 cm.Parodia de “Happy Tears” de Roy Lichtenstein.Involucrado en un caso de fondos ilegales acumulados por un conglomerado coreano, que fue noticia en 2008, transmite un mensaje sobre la sociedad polarizada. Padre e hijo, bellas artes y animación en línea, analógico y digital, imagen y texto uno al lado del otro. “Homin y Jaehwan” fue un festival exultante para todos los que disfrutan la narrativa. “¿Qué hacen bajando las escaleras?” Joo Ho-min. 2021. Impresión digital flexible. 740 × 220 cm. Esta gran instalación de Joo Ho-min parodia la conocida pintura de su padre, “Lluvia de primavera bajando una escalera”, como reinterpretación del sentido del humor y el compromiso social de su padre. EL HIJOEn este punto Joo Ho-min sintoniza con su padre. Valora mucho lo que piensan sus lectores. Creció viendo a su padre-artista trabajar por encima de su hombro. Probablemente influido por su padre, comenzó a dibujar cómics en secundaria, y le alegraba ver a sus amigos reírse con su trabajo. Desde entonces se volvió “adicto” a la retroalimentación instantánea, a las reacciones a sus cómics. Queriendo “hacerles reír más”, su carrera comenzó en el año 2000 cuando comenzó a subir sus cómics a un sitio web de la comunidad de Internet.El joven Joo dio a conocer su nombre con “Jjam” (2005), su trabajo de debut of icial sobre la vida militar, y se convirtió en uno de los dibujantes más famosos de Corea con la exitosa serie “A long with the Gods” (2010-201 2), una historia de acción y fantasía sobre la muerte y reencarnación mediante siete pruebas en el infierno. “Along with the Gods: The Two Worlds” (2017), la adaptación cinematográfica de los cómics web, atrajo a más de catorce millones de espectadores, la tercera mayor audiencia en la historia del cine coreano. La secuela, “Along with the Gods:The Last 49 Days” (2018), también tuvo gran éxito, atrayendo a más de doce millones de espectadores. Como creador de contenidos en YouTube con 230.000 suscriptores, Ho-min confiesa que “quería huir” mientras preparaba para la exposición “Homin y Jaehwan”, porque “los cómics no son para exhibir, y se ven extraños en la pared de un museo”. Estaba nervioso por cómo lo percibirían los espectadores, pero esas preocupaciones resultaron innecesarias.Las pinturas e instalaciones de Joo Jae-hwan inundaron el segundo piso del museo, dejando mucho que ver. En comparación, el tercer piso parecía algo insulso, con impresiones digitales de escenas de las principales obras de Joo Ho-min, y cuadernos de bocetos de guiones gráficos. Sin embargo, muchos visitantes los examinaron cuidadosamente y se perdieron en las historias creadas por él. Igual que los lectores pueden hacer volar su imaginación leyendo entre líneas, ese escaso espacio ofreció un descanso y permitió a los visitantes revivir las escenas y disfrutar aún más de las historias. También mostraron los libros usados por el dibujante como referencia en su trabajo creativo, reflejando cómo los objetos cotidianos pueden convertirse en valiosa fuente de inspiración. Visitantes contemplan escenas del webtoon de Joo Ho-min “Junto con los dioses: los dos mundos”, que refleja la visión de los coreanos del más allá. La muestra presenta elementos de varios mitos e historias que aparecen en el webtoon. © Yonhap News COLABORACIÓNLa muestra fue una colaboración entre un padre y un hijo que trabajan en diferentes géneros. Los retratos de ambos artistas, colgados uno junto al otro en la entrada de la Galería 1, llamaron la atención de los visitantes: “Retrato de Homin” (2020), hecho por el padre: collage de un helado y gafas de sol, y “Retrato de Joo Jaehwan” (2021), hecho por el hijo, es un webtoon. Ambos estaban satisfechos con la interpretación del otro sobre ellos mismos. El padre dijo que ver el retrato hecho por su hijo le hizo sentir que había “envejecido bien”, y el hijo expresó que el trabajo de su padre era “muy divertido”.El joven Joo creó la gigantesca instalación “What Are They Doing Down the Stairs?” (2021), parodia del trabajo de su padre “Spring Rain Descending Staircase”. El trabajo del padre trata sobre el descenso vertical y la perspectiva de izquierda a derecha, mientras el hijo presenta múltiples personajes en movimiento ascendente, ayudándose y tirando unos de otros, ensalzando la cooperación y la sinergia. Es su propia reinterpretación del espíritu de resistencia y del sentido del humor de su padre.Joo Ho-min recuerda que dio por sentado que su padre era artista cuando era joven, pero ahora, también como artista, comprende “lo difícil y maravilloso” que era todo. Muestra respeto por su padre al decir: “Lo encuentro ya desafiante, pero mi padre, que tiene ochenta años, todavía trabaja intensamente. Me sorprende cómo ha mantenido el ritmo tantos años”.La exposición concluye con un vídeo del hijo streamer y el padre pintor. En el formato torneo “elige tu favorito”, el joven Joo muestra repetidamente a su padre dos de sus obras y le hace elegir su predilecta. El anciano Joo comparte historias sobre la obra elegida, sus anhelos al crearla y otros recuerdos relevantes sobre su hijo.Al preguntarle si le disgustaba ver que su nombre no salía primero en el título de la exposición, Joo Jae-hwan afirma que le gustaba más así. “No importa si el género es cómic o pintura, y no importa qué nombre vaya primero. Pensar así es muy antiguo”, agrega.Padre e hijo, bellas artes y animación en línea, analógico y digital, imagen y texto uno al lado del otro. “Homin y Jaehwan” fue un festival exultante para todos los que disfrutan la narrativa.

Estrellas brillando juntas en la oscuridad

Art Review 2021 SUMMER 296

Estrellas brillando juntas en la oscuridad Entre 1930 y 1950, Corea estuvo sumida en la pobreza. Pero escritores y artistas siguieron persiguiendo sus sueños, gracias a la ayuda de amigos y colegas. Una singular exposición del Museo Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo en el Palacio de Deoksu, en Seúl, muestra cómo esas mentes creativas superaron múltiples obstáculos mediante la camaradería y la cooperación. “Naturaleza muerta con muñeca” de Gu Bon-ung (1906-1953). 1937. Óleo sobre lienzo. 71,4 × 89,4 cm. Leeum, Museo de Arte Samsung. Cuando el academicismo impresionista estaba de moda, Gu Bon-ung se sintió atraído por el fovismo. Como sugiere la revista de arte francesa “Cahiers d’Art” en esta pintura, Gu y sus amigos apreciaron las tendencias del arte contemporáneo de países occidentales. La década de 1930 fue un momento difícil en la historia coreana, cuando el dominio colo¬nial japonés se volvió más opresivo. Pero también fue tiempo de modernización y gran cambio social, particularmente en Seúl, por entonces llamado Gyeongseong. Tranvías y coches corrían por carrete¬ras pavimentadas, y lujosos grandes almacenes esta¬ban listos para vender. Las calles estaban llenas de “chicos y chicas modernos” que expresaban su estilo con trajes de moda o tacones altos. Mientras la desesperanza de la realidad coexis¬tía con románticas ideas sobre los tiempos modernos, Gyeongseong también era ciudad de artistas y escri¬tores. Frecuentaban las cafeterías, llamadas dabang, que surgieron en el centro de la ciudad, lugares donde las mentes creativas hallaban algo más que café y té. Rodeados por exóticos decorados interiores y del pro¬fundo aroma del café, discutían sobre las últimas ten¬dencias de la escena artística europea, como el movi¬miento vanguardista, mientras Enrico Caruso sonaba de fondo. Cafeterías y arte vanguardista La pobreza y la desesperación de un país colonizado no podían amortiguar este espíritu creativo. El fervor por la creatividad en circunstancias difíciles se apo¬yaba en la amistad y en colaboraciones entre artistas y escritores que compartían el dolor de aquellos tiem¬pos y buscaban juntos un camino hacia adelante. Hoy, en el Museo Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo del Palacio de Deoksu, en Seúl, la exposición “Encuentros entre el arte coreano y la lite¬ratura en la era moderna” goza de un considerable interés público por revisitar aquellos años de “roman¬ticismo paradójico”. Pese al distanciamiento social, durante la pandemia ha atraído a un flujo constante de visitantes. Como indica su título, la exposición refleja cómo pintores, poetas y novelistas atravesaron géneros y campos, compartieron ideas y se influyeron mutua¬mente para alcanzar sus ideales artísticos. Mostran¬do la actividad de unos cincuenta artistas y escrito¬res, la exposición consta de cuatro partes. La Galería 1, “Confluence of the Avant-Garde” se centra en Jebi (golondrina), la cafetería dirigida por el famoso poeta, novelista y ensayista Yi Sang (1910-1937), y destaca las relaciones entre artistas y escritores habituales de allí. Después de formarse como arquitecto, Yi trabajó como delineante en el departamento de obras públi¬cas del Gobierno General de Corea por un tiempo, pero renunció y abrió la cafetería cuando le diagnosti¬caron tuberculosis. Conocido por su obra surrealista, incluido el cuento “Wings” y el poema experimental “Crow’s Eye View”, Yi es uno de los pioneros de la literatura coreana moderna de la década de 1930. Jebi no tenía mucho que mostrar en sí, aparte de un autorretrato de Yi y unas pinturas de su amigo de la infancia Gu Bon-ung (1906-1953) en sus pare¬des desnudas. Pese a ser un lugar humilde sin nota¬ble atractivo visual, era el lugar favorito de los artis¬tas pobres. Además de Gu, los habituales incluían al novelista Park Tae-won (1910-1986), que tenía una estrecha relación con Yi, y al poeta y crítico literario Kim Gi-rim (1908-?), por nombrar un par de ellos. Se apiñaban juntos en la cafetería, para discutir no solo de arte y literatura, sino también de las últimas tendencias y géneros del cine y la música. Para ellos, Jebi no era solo un lugar de reunión, sino un labora¬torio creativo donde absorbían conocimiento y se ins¬piraban entre sí. Les interesaba especialmente la poe¬sía de Jean Cocteau y las películas de René Clair. Yi colgó citas de los poemas de Cocteau, y Park escribió “Conte from a Movie: The Last Billionaire”, paro¬dia de la pieza satírica de Clair sobre el fascismo, “Le Dernier milliardaire” (1934). Es fascinante ver cómo sus obras reflejan su camaradería y las huellas que dejaron en sus vidas. En la pintura de Gu, “Portrait of a Friend” (1935), el hombre inclinado no es otro que el propio Yi. Se lle¬vaban cuatro años de diferencia, pero eran amigos íntimos desde la escuela. Kim no escatimaba elogios sobre el estilo fauvista de Gu, libre de convenciones, y cuando Yi murió con 27 años, lamentó su muer¬te prematura y publicó la primera colección de las obras de Yi en 1949. Tiempo atrás, Yi diseñó la porta¬da de la primera antología poética de Kim, “Weather Chart”, publicada en 1936, y también las ilustracio¬nes de la novela de Park, “A Day in the Life of Kubo the Noveslist” (1934), que fue serializada en el diario Joseon Jungang Ilbo. El estilo literario único de Park y los surrealistas dibujos de Yi crearon páginas idio¬sincráticas enormemente populares entre los lectores. “Autorretrato” de Hwang Sul-jo (1904-1939). 1939. Óleo sobre lienzo. 31,5 × 23 cm. Colección privada. Hwang Sul-jo, que pertenecía al mismo grupo de artistas que Gu Bon-ung, logró un estilo de pintura único, dominando diferentes géneros como naturalezas muertas, paisajes y retratos. Este autorretrato data del año en que murió, a los 35 años. La Galería 2 exhibe obras de arte impresas de las décadas de 1920 al 1940. Muestra libros con hermosas portadas y revistas con trabajos de ilustradores, en su mayoría publicados por empresas periodísticas. “Cheongsaekji” (Papel azul), vol. 5, mayo de 1939 (izda). “Cheongsaekji”, vol. 8 de febrero de 1940. © Fundación Adanmungo© Instituto de Investigación de Bibliografía Moderna“Cheongsaekji”, lanzada en junio de 1938, terminó con su octavo volumen en febrero de 1940. Era una revista de arte completa editada y publicada por Gu Bon-ung. Cubría muchos campos, como literatura, teatro, cine, música y bellas artes, y ofreció artículos de calidad de famosos escritores. Poesía y pintura Insertar ilustraciones en historias seriadas garantizaba un ingreso estable a los artistas, aunque fuera tempo¬ral, y promovía la imagen de los periódicos como un medio capaz de reflejar tanto gustos populares como artísticos. Muchos de estos se presentan en la Galería 2 que, como una ordenada biblioteca, reúne los logros de los medios impresos (incluyendo diarios, revistas y libros) publicados entre las décadas de 1920 y 1940. Titulada “A Museum Built from Paper”, ofrece la rara experiencia de pasear entre novelas serializadas en los periódicos con dibujos de doce ilustradores, inclu¬yendo Ahn Seok-ju (1901-1950). Algunas empresas periodísticas también publi¬caban revistas, dando origen a un género de poe-mas ilustrados llamado hwamun. “Natasha, the White Donkey, and Me”, un famoso poema de Baek Seok (1912-1996), es un ejemplo notable que data de 1938. Ilustrado por el pintor Jeong Hyeon-ung (1911-1976), comienza con las líneas: “Esta noche la nieve cae sin fin / porque yo, un hombre pobre, / amo a la hermosa Natasha”. La ilustración, marcada por sus espacios anaranjados y blancos, se hace eco del tono del poema de Baek, que describe un pecu¬liar sentido del vacío captado con una calidez vaga. Este poema ilustrado apareció en la revista literaria “Yeoseong” (‘Mujeres’), y fue creado ambos juntos para el diario Chosun Ilbo.Baek escribió muchos poemas líricos con un color local distintivo, y Jeong trabajó activamen¬te como ilustrador. Aunque ambos comenzaron como colegas de trabajo, su amistad se hizo mucho más profunda. De vez en cuando Jeong admiraba a Baek, sentado a su lado en la oficina de la edito¬rial. En una breve pieza titulada “Mister Baek Seok” (1939), publicada en la revista “Munjang” (‘Escri¬tura’), Jeong elogió al poeta por ser “tan hermoso como una escultura” y lo dibujó inmerso en su obra. Su amistad continuó después de que ambos dejaran “Yeoseong”. De hecho, Baek se fue a Manchuria en 1940 y desde allí envió un poema titulado: “To Jeong Hyeon-ung – From the Northern Land”. En 1950, cuando las dos Coreas se dividieron, Jeong se fue al Norte y se reunió con Baek. Compiló una colección de poemas de Baek, ilustrando la contra¬portada del libro con un dibujo del poeta, más viejo y maduro que en la ilustración de “Mister Baek Seok”. El fervor por la creatividad en circunstancias difíciles se apoyaba en la amistad y en colaboraciones entre artistas y escritores que compartían el dolor de aquellos tiempos y buscaban juntos un camino hacia adelante. Natasha, el burro blanco y yo” de Baek Seok (1912-1996) y Jeong Hyeon-ung (1911-1976). Adanmungo. Este poema ilustrado salió en la edición de marzo de 1938 de “Mujeres”, una revista publicada por Chosun Ilbo. La colaboración del poeta Baek Seok y el artista Jeong Hyeon-ung muestra el frecuente intercambio entre escritores y pintores generado por el nuevo género hwamun (“escritura ilustrada”). “Familia del poeta Ku Sang” de Lee Jung-seop (1916-1956). 1955. Lápiz y óleo sobre papel. 32 × 49,5 cm. Colección privada. Lee Jung-seop, que se alojaba en casa del poeta Ku Sang por la Guerra de Corea, atrajo a la feliz familia de Ku, quien extrañaba a su esposa y a sus dos hijos, entonces en Japón. Portadas de la revista “Literatura contemporánea” (Hyeondae Munhak), lanzada en enero de 1955. Ilustradas por artistas de renombre, como Kim Whanki (1913-1974), Chang Uc-chin (1918-1990) y Chun Kyung-ja (1924-2015), entre otros. Escritos por Artistas La Galería 3, “Fellowship of Artists and Writers in the Modern Age”, se extiende hasta la década de 1950, y destaca las relaciones personales entre artis¬tas y escritores de la época. En el centro de su red personal estaba Kim Gi-rim, con conexiones más allá de sus contemporáneos, hasta artistas de la siguiente generación. Utilizando su profesión como periodista en su propio beneficio, Kim comenzó a descubrir nuevos artistas y a presentarlos al públi¬co en sus críticas, batuta que luego pasó a Kim Gwang-gyun (1914-1993), un poeta y empresa¬rio que realizó un papel similar, ofreciendo apoyo financiero a artistas talentosos. Así, no extraña que ciertas obras de esta galería sean de su colección personal. La única obra que hace pararse a todos los visi¬tantes para contemplarla es “Family of Poet Ku Sang”, de Lee Jung-seop (1916-1956). En esta pin¬tura de 1955, Lee mira a la familia de Ku con envi¬dia. Ante una angustia financiera extrema, Lee tuvo que separarse de su esposa y sus dos hijos duran¬te la guerra y enviarlos a Japón. Aunque esperaba reunirse con ellos tras vender sus pinturas, la única exposición privada que logró organizar no sirvió para reunir el dinero necesario. “Family of Poet Ku Sang” se exhibe en la Galería 3 con las cartas envia¬ das a Lee por su esposa japonesa, recordando la trá¬gica historia de su familia y la solitaria muerte del artista genio entre pobreza y enfermedad. La exposición culmina en la Galería 4, “Wri¬tings and Paintings by Literary Artists”, con seis artistas famosos, también talentos literarios. Entre ellos se encuentra Chang Uc-chin (1918-1990), quien atesoraba la belleza de las cosas simples y triviales; Park Ko-suk (1917-2002), cuyo amor por las montañas duraría toda su vida; y Chun Kyung-ja (1924-2015), que se hizo popular con su colorido estilo pictórico y sus cándidos ensayos personales. También adornan la sección cuatro obras puntillis¬tas de Kim Whanki (1913-1974). A medida que uno se acerca a estas pinturas y observa el microcosmos creado por los innumerables puntos que llenan el lienzo, los nombres de todos los artistas y los escri¬tores de la exposición vuelven a la mente. Parece que todos los talentos creativos que destacaron bri¬llando juntos en un período oscuro y sombrío de la historia coreana, hubieran podido reunirse por fin en un solo lugar. 2. “18-II-72 #221” de Kim Whanki. 1972. Óleo sobre lienzo. 49 × 145 cm. Colección privada. Kim Whanki, conocedor literario y próximo a muchos poetas, publicó ensayos ilustrados en varias revistas. Las pinturas lírico-abstractas de puntos del último período de Kim comenzaron a mediados de los ‘60, cuando estaba en Nueva York. Los primeros signos de este estilo figuran en las cartas que envió al poeta Kim Gwang-seop (1906-1977).

Lo mundano se vuelve abstracto

Art Review 2021 SPRING 381

Lo mundano se vuelve abstracto La artista de instalaciones Haegue Yang, internacionalmente activa desde sus bases en Berlín y Seúl, interpreta objetos domésticos cotidianos de formas diversas. Su última exposición en el Museo Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo (MMCA) en Seúl destaca la continua expansión de su audacia, que desafía el género mientras reflexiona sobre nuevas cuestiones. Haegue Yang explora el potencial de objetos mundanos como tendederos para ropa, persianas venecianas y bombillas como motivos, con notable éxito. En una de sus obras fundamentales, “Salim” (en coreano “para hacer en casa”), presentada en el Pabellón de Corea para la Bienal de Venecia 2009, creó una cocina con marcos de acero, hilo y abanicos. Desde entonces, ha sido artista destacada en importantes exposiciones internacionales, como Documenta en Kassel, Alemania, o el Centro Pompidou de París. Las instalaciones multimedia de Yang generalmente son objetos domésticos estándar transformados en múltiples posibilidades, a menudo dispuestos en contraste con fondos de pantalla con diseño gráfico. Las imágenes desconectadas se entrelazan de forma compleja, y los críticos resaltan la dificultad de asimilar de una vez tan alta densidad de imagen. Lo abstruso caracteriza sus obras. Haegue Yang participó en la feria de arte inaugural Taipei Dangdai, en el centro de exposiciones de Taipei Nangang en enero de 2019. Mezclando variedad de medios como instalación, escultura, vídeo, fotografía y sonido, crea figuras históricas específicas u objetos cotidianos en lenguaje formativo abstracto. “Silo of Silence - Clicked Core”. 2017. Persianas venecianas, estructura de aluminio y acero cubierto de polvo, cable de acero, escenario giratorio, tubos LED. 1105 × 780 × 780 cm. KINDL - El Centro de Arte Contemporáneo de Berlín invita a un artista a presentar una obra en la sala de 20 metros de la Casa de Calderas cada año. Esta instalación de Hague Yang se exhibió desde septiembre de 2017 hasta mayo de 2018. Un objeto, varias interpretaciones Su última exposición en el Museo Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo de Seúl, “MMCA Hyundai Motor Series 2020: Haegue Yang - O2 & H2O” (del 29 de septiembre de 2020 al 28 de febrero de 2021), no es una excepción. Los visitantes son recibidos por una pieza enorme, “Silo of Silence - Clicked Core”. Con título inescrutable, la instalación de 11 metros de altura toma forma de un gran móvil hecho de persianas venecianas y luminarias. Las persianas azul oscuro y negro giran en sus respectivas órbitas. Los visitantes pueden apreciar libremente la muestra desde lejos y desde abajo: su impresionante tamaño y sus colores se mueven a cámara lenta creando enigmáticas experiencias espaciales. Estas persianas venecianas son las mismas de la obra más famosa de Yang, la serie “Sol LeWitt Upside Down”, que puede verse en el interior de la sala de exposiciones. Sobre las persianas venecianas, Yang explica que algunos pueden percibirlas como material asiático y otras como occidental. Según la perspectiva individual, unos recordarán persianas de bambú asiáticas, y otros las asociarán con una oficina occidental. Otras obras de Yang denotan la misma intención de la artista: mostrar cómo un objeto puede adquirir diversos significados en diferentes contextos. “Ornamento y abstracción”, primera exposición individual de Yang en América Latina. Galería de arte kurimanzutto de la Ciudad de México en 2017. Obras: “ The Intermediate - UHHHHH Creature Extended W.” 2017. Paja artificial, estructura colgante de acero con recubrimiento de polvo, cable de acero, Neoseul, Bupo. 580 × 750 × 60 cm. Montañas de ojos grandes atadas con la lengua bajo los orbes solares y lunares – Fiable #315”, 2017. Sobres de seguridad, papel cuadriculado, papel origami y papel de lija sobre cartón, vinilo autoadhesivo. 11 partes. 86,2 × 86,2 cm; 57,2 × 57,2 cm; 29,2 × 29,2 cm. “Sol LeWitt Upside Down - K123456, expandido 1078 veces, duplicado y reflejado”, 2017. Persianas venecianas, estructura colgante de aluminio recubierta de polvo, cable de acero, tubos fluorescentes, cable. 878 × 563 × 1088 cm. Límites mixtos En la Galería 5 destaca un grupo de esculturas titulado “Sonic Domesticus”, creadas con paja artificial, cuerdas de plástico y campanas de bronce. Las campanas de latón que recubren la superficie dan una impresión inicial de exóticos organismos vivos. Pero poco a poco se van apre-ciando planchas, ratones de ordenador, secadores de pelo y ollas. Mientras con las persianas venecianas intenta marcar las diferencias entre Oriente y Occidente, aquí Yang parece sondear el límite entre los objetos animados e inanimados. Los secadores de pelo adoptan forma de cangrejo; dos ratones de computadora uno encima del otro semejan el cuerpo de un insecto, y los hierros se unen evocando un par de tijeras. Las piezas tienen ruedas y producen sonidos. Algunos pueden considerar familiar su estrategia si nos remontamos a los dadaístas un siglo atrás. Mucho antes de que Yang cruzara dos hierros para recordar unas tijeras, el artista visual Man Ray creó “Cadeau” en 1921, al ubicar una fila de clavos en un hierro para anular la función y el significado del objeto. Y yendo más atrás, el trabajo de Yang recuerda a “Foundation”, de Marcel Duchamp en 1917, quien llevó un urinario a un museo. Sin duda, en la actual escena artística internacional es marcada tendencia inspirarse libremente en ideas que se remontan a cualquier época de la historia del arte. Por ejemplo, Cecily Brown pinta piezas abstractas basadas en ideas de pinturas anteriores al siglo XIX, y David Hockney no tiene reparos en inspirarse en su ídolo Picasso. Esto puede naturalmente llevarnos a buscar la voz única de Yang al tomar prestadas ideas del arte conceptual. De explorar límites entre Oriente y Occidente, y entre objetos animados e inanimados, la artista avanza hasta cuestionarse la división entre lo real y lo virtual, y entre lo genuino y lo falso. “MMCA Hyundai Motor Series 2020: Haegue Yang - O2 & H2O”, del 29 de septiembre de 2020 al 28 de febrero de 2021. Yang mostró nuevas formas de arte como réplicas de su voz con inteligencia artificial y un collage digital en pancartas. (Izda.) “Clonación genuina”, 2020. AI (Typecast), voz de Haegue Yang, narradores. Dimensiones variables. Tecnología de Neosapience. (Dcha.) “Cinco sin hacer nada”, 2020. Tinta inyectada con agua sobre poliéster, globos publicitarios, ojales, cables de acero, hanji. Dimensiones variables. Gráficos de Yena Yoo. En esta serie Yang creó recipientes híbridos al unir o entrecruzar elementos mundanos como planchas, secadores de pelo, ratones de computadora y ollas. “Sonic Domesticus”, 2020. Estructura de acero inoxidable, malla y manijas cubiertos de polvo, ruedas, campanas de latón negro y plateado, campana roja de acero inoxidable, anillos de metal, cordel de plástico. Desde la izquierda: “Sonic Domesticus – Scissor Pressing”, 208 × 151 × 86 cm. “Sonic Domesticus – Blow-Dry Crawl.” 155 × 227 × 115 cm. “Sonic Domesticus – Clam Tongs.” 291 × 111 × 97 cm. “Sonic Domesticus – Pot Atop.” 224 × 176 × 122 cm. Realidad y abstracción Esa voz quizá sea más clara en una nueva forma de arte que Yang presenta en “Five Doing Un-Doing”, un collage de imágenes digitales en pancartas; o en “Genuine Cloning”, una colección de altavoces que emiten voz de IA. En sus propias palabras, “Five Doing Un-Doing” es una característica de los gráficos ruidosos y la tipografía exagerada similar a la propaganda política. Sus cinco estandartes contienen los nombres de los cinco elementos (madera, fuego, tierra, metal y agua) simbolizados por los colores que representan los puntos cardinales (azul, rojo, amarillo, blanco y negro). La parte inferior de las pancartas está adornada con parafernalia chamánica en forma de borla creada con papel tradicional coreano, hanji. Esta instalación en particular parece muy relevante para el título de la exposición, “O2 & H2O”. Yang explica que aprendió cómo el oxígeno y el agua, elementos omnipresentes de la vida cotidiana, se codifican como O2 y H2O, y ella abstrajo la realidad a su modo en cinco elementos. “Genuine Cloning” es una instalación de altavoces colgados entre los cinco carteles. Los altavoces reproducen la voz de Yang, clonada con tecnología de inteligencia artificial. De explorar límites entre Oriente y Occidente, y entre objetos animados e inanimados, la artista avanza hasta cuestionarse la división entre lo real y lo virtual, y entre lo genuino y lo falso. Entre Berlín y Seúl Nacida en Seúl en 1971, Yang se mudó a Frankfurt, Alemania, en 1994 y se graduó en la Städelschule, la Academia Estatal de Bellas Artes. Desde 2005 vive y trabaja en Berlín; en 2014, estableció otro estudio en Seúl y ahora viaja entre ambas ciudades. En 2018 saltó a los titulares al convertirse en la primera mujer asiática en recibir el Premio Wolfgang Hahn, dedicado a artistas contemporáneos. El año pasado, pese a la pandemia de coronavirus, las obras de Yang se exhibieron en muchas partes del mundo. Presentó seis esculturas dinámicas en una exposición titulada “Handles” (21 de octubre de 2019-28 de febrero de 2021), para conmemorar la reapertura del Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York; y “Strange Attractors” (24 de octubre de 2020-26 de septiembre de 2021) en Tate St Ives en Cornwall, Inglaterra. La serie MMCA Hyundai Motors, que comenzó en 2014 con las esculturas e instalaciones de Lee Bul, es el evento anual del museo en apoyo de los principales artistas. Es la primera exposición individual de Yang en el MMCA.

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