한국국제교류재단

El célebre escultor Gwon Osang evita la arcilla, el mármol y el metal al ser muy pesados para su gusto, pero su innovador uso del papel está lejos de ser ligero en términos de reconocimiento.

Gwon Osang posa entre dos de sus primeros trabajos. El artista cuestiona constantemente la esencia de la escultura y experimenta con nuevos formatos escultóricos.

“Untitled G-Dragon, A Space of No Name”, 2015. Impresión C, técnica mixta. 380 × 176 × 105 cm.
El cantante G-Dragon posa como el arcángel Miguel derrotando al demonio Lucifer.
© Victoria and Albert Museum

Las fotografías son imágenes planas y unidimensionales, pero para Gwon Osang son como bloques de construcción. Él reúne cientos de miles de fotografías tomadas desde todos los ángulos para crear esculturas de papel tridimensionales.

El novedoso enfoque de Gwon ha captado atención internacional, particularmente en Gran Bretaña. Este año, Victoria & Albert London Museum celebró la exposición ‘Hallyu! The Korean Wave’ que incluía su obra ‘Untitled G-Dragon, A Space of No Name’. Es la transformación de una fotografía del cantante G-DRAGON en el arcángel Miguel matando al demonio Lucifer. La escultura se convirtió en sensación por primera vez en 2015, al ser presentada como pieza central de una exposición en el Museo de Arte de Seúl.

El genio de Gwon también ha visitado la Colección Zabludowicz, una galería de arte contemporáneo, y el Instituto de Arte Roberts, una organización de arte contemporáneo sin ánimo de lucro, ambos en la capital inglesa, y hasta el grupo de rock británico Keane ha recurrido a Gwon. La portada de su álbum ‘Perfect Symmetry’ de 2008 recrea con sus esculturas fotográficas a los miembros de la banda. Gwon también ha colaborado con marcas de lujo como Hermés o Fendi, y otras como BMW y Nike.

Si bien las primeras obras de Gwon recordaban en gran medida al cubismo, ahora avanzan hacia el surrealismo y la abstracción, a medida que se expande el radio de actividad del artista.Nos encontramos con Gwon en su estudio en Gwangmyeong, en la provincia de Gyeonggi, donde dos bustos de fotoesculturas que datan de 1993, sus primeras obras poco convencionales, comparten espacio con su último trabajo, que incorpora imágenes de la actriz Kang Soo-young tomadas de páginas web.

¿Qué le llevó a sus “esculturas fotográficas”?
Cuando ingresé en el Departamento de Escultura de la Universidad de Hongik en 1994, era un lugar conocido por la ambición de jóvenes y enérgicos profesores y la pasión de su campamento de estudios en el extranjero. Reinaba una abrumadora sensación de que necesitábamos “un nuevo tipo de arte”. También era el momento en que la cultura indie de toda la zona de Hongdae (apodo de la Universidad de Hongik) comenzó a tomar forma, junto con la llegada de la Generación X. La sensación del fin de una era coexistía con el entusiasmo por el inicio del nuevo milenio.

El estudio de escultura en mi primer día de universidad tenía montículos de arcilla cubiertos de plástico donde la gente había estado trabajando, y piedras y trozos de madera esparcidos por todas partes. Recuerdo que pensé: “Estoy entre los pequeños, así que la escultura que requiera fuerza bruta no será fácil para mí”.

Buscando materiales que fueran fáciles de manejar y obtener descubrí el papel fotográfico. Así comenzaron las esculturas fotográficas. En cierto modo, comencé a hacerlas pensando en las facilidades para mi propio cuerpo.

“Composición” 2023. Impresión de pigmentos de archivo, técnica mixta. 110 × 40 × 42 cm.
Rindiendo homenaje a las obras del famoso escultor Henry Moore, esta pieza muestra el típico estilo de Gwon Osang, al reunir imágenes en un collage lúdico para crear una estética escultórica singular.
© Arario Gallery

“New Structure 4 Prism & Macallan” 2014. Chorro de tinta, aluminio. 275 × 316 × 197 cm.
La serie “New Structure” convierte “The Flats series”, con innumerables imágenes recortadas de revistas, en obras tridimensionales.
© Arario Gallery

Debutó cuando aún estaba en la universidad…
LOOP, el primer espacio alternativo de Corea abrió sus puertas en 1999, y la tercera exposición fue mi ‘Deodorant Type’. Tenía cierto aire con ‘A Statement of 420 Pieces on Twins’, que ahora forma parte de la colección del Museo Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo de Corea. Tuve suerte. Mi primera exposición individual llegó dos años después, en Insa Art Space. Después recibí invitaciones de numerosas galerías y desde 2005 expongo solo en Arario Gallery.

Buscando un material abundante y fácil de manejar, Gwon Osang dio con el papel fotográfico, que se convirtió en punto de partida de sus esculturas fotográficas.

Basado únicamente en imágenes fotográficas halladas en línea y en revistas, esta serie de autos en miniatura de arcilla y bronce se denomina “The Sculpture”.

¿Podría comentar la variedad de sus obras?
La sección ‘Obras’ de mi página web tiene diez partes. Un hilo importante es la serie ‘Deodorant Type’, que he continuado desde mis días universitarios. El desodorante solo neutraliza el olor, pero no lo elimina de raíz: solo lo cubre con un aroma distinto. Es algo similar a naturaleza de mis esculturas fotográficas, donde la combinación de fotos de un objeto crea una apariencia que difiere ligeramente del original.

La serie ‘The Flat’ tiene imágenes de relojes, maquillaje y joyas de anuncios de revistas que fueron creado como esculturas, luego fotografiados e impresos nuevamente. Los objetos tridimensionales se aplanan en las páginas de una revista, luego se convierten en escultura y después se transforman en una fotografía.

Por otro lado está la serie ‘New Structure’, donde la serie ‘The Flat’ deja su forma fotográfica para volver a ser tridimensional, y la serie ‘Relief’, donde estas piezas se fijan a una pared.

Mis obras pueden organizarse como bustos de humanos o de animales, y bodegones. El tema general es una representación a través de la escultura y una exploración del peso, el espacio, la perspectiva y la abstracción. También comencé a hacer muebles para mi estudio porque toda la madera sobrante de mis piezas me parecía un desperdicio, y se convirtió en una colaboración con el artista Kim Min-ki. En 2021, comencé a hacer esculturas en forma de globo con imágenes 2D a partir de fotografías incorporadas a formatos 3D.

¿Qué hay del gabinete de miniaturas de automóviles?
Usé materiales escultóricos tradicionales para esas, como arcilla y bronce. Pero estos coches y motocicletas los hice sin mirar el modelo real. Solo se basan en imágenes que encontré en línea, o en revistas y en cosas. Yo las llamo la serie ‘The Sculpture’. Comencé con coches de las carreras de Le Mans y luego pasé a coches artísticos a partir de colaboraciones con BMW. Hice unas cien miniaturas y, sin contar las que envié para exponer, aquí quedan unas 40. Estos pequeños coches son como versiones en miniatura de enormes formaciones rocosas que muestran lo grandioso de la naturaleza. Muy pocas personas llegan a ver el objeto real, pero los experimentan a través de fotografías.

¿Qué son la fotografía y la escultura para usted?
El primer premio que recibí, incluso antes del Premio de Escultura Kim Se-choong en 2013, fue el Premio Sajin Bipyong (de crítica fotográfíca) en 2001, y mi primera exposición en el extranjero fue una muestra de fotografías en un museo japonés.

El molde de una escultura podría compararse con el negativo de una fotografía analógica y, en ese sentido, creo que la escultura y la fotografía pueden tener un mismo enfoque esencial.Si continúo experimentando es porque me gustaría que mis esculturas siguieran en contacto con el contexto de la escultura en general y de su historia. He explorado el trabajo de escultores renacentistas como Gian Lorenzo Bernini, y también me encantan las esculturas del pintor impresionista Amedeo Modigliani.

Recientemente, mi interés se ha desplazado a las esculturas abstractas donde podría acoplar fotografías, y eso a su vez me ha llevado a Henry Moore. Cuando juegan con el cuerpo humano, la mayoría de los escultores tienden a transformar la forma del músculo o del hueso, pero el trabajo de Moore es toda una sorpresa.

Dicen que su libertad en las formas es algo que ganó haciendo dibujos al carbón en la oscuridad mientras se escondía en refugios antiaéreos durante la Segunda Guerra Mundial. Mi propia experiencia de aislamiento durante la covid-19 me ayudó a comprender mejor lo que debió sufrir con la guerra y su apego a la familia. En mi nuevo trabajo hallarás algo de esa nueva libertad que he adquirido al aproximarme a Moore y a sus métodos.

“Diciembre 2011” 2012. Impresión Lightjet, marco de madera. 217,6 × 172 cm.
La serie “The Flat” toma imágenes contemporáneas de revistas que usa para crear construcciones tridimensionales y luego volver a fotografiarlas.
© Arario Gallery