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En “Squid Game”, el gran éxito de Netflix, la brutalidad por sobrevivir a toda costa es más visceral por ese telón de fondo digno de un cuento para niños. Hablamos con la directora de arte Chae Kyoung-sun, la mente tras el diseño escénico, en un estudio submarino en Goyang, provincia de Gyeonggi.

“Squid Game” fue el programa de Netflix más visto durante 46 días. Tras su debut en septiembre captó la audiencia de 142 millones de hogares. Abundan las teorías sobre su enorme popularidad a nivel mundial en dicha plataforma de streaming. Pero sin duda su espectacular y refrescante escenografía, a veces hasta surrealista, jugó un papel importante.

A diferencia de muchas películas y programas de televisión, los decorados de “Squid Game” no hacían hincapié en el realismo, sino en una mezcla de realidad y fantasía con una paleta atrevida y limitada. Demostraron cómo el diseño puede complementar a la perfección una historia y unos personajes.

La directora de arte Chae Kyoung-sun se especializó en diseño escénico en el Departamento de Teatro y Cine de la Universidad Sangmyung, y se estrenó en 2010 con “Come, Closer”, una película sobre cinco parejas, dirigida por Kim Jong-kwan. “Silenced”, del director Hwang Dong-hyuk, llegó al año siguiente, y luego trabajó en otras dos películas de Hwang: “Miss Granny” (2014) y “The Fortress” (2017). “Squid Game” fue la primera serie original que contó con Chae y con Hwang. Otros de sus proyectos cinematográficos incluyen “Hwayi: A Monster Boy” (2013) del director Jang Joon-hwan, “The Royal Tailor” (2014) del director Lee Won-suk y “EXIT” (2019) del director Lee Sang-geun. En cada producción, se le atribuye el mérito de crear exactamente el ambiente necesario para cada narrativa.

La directora de arte Chae Kyoung-sun posa en el escenario acuático de “Moving”, su próximo proyecto y serie original de Disney Plus, en Goyang, provincia de Gyeonggi. Como directora de arte de “Squid Game”, su popularidad se disparó cuando la serie de Netflix logró un éxito internacional. Dice sentirse afortunada por el apoyo financiero y la libertad creativa que tuvo.

“Squid Game” se aleja de otras obras del director Hwang Dong-hyuk. ¿Cuál era el reto?
Como no estábamos creando espacios estrictamente realistas, necesitaba que el diseño escénico lograra polarizar al público. Pensé que habría reacciones negativas bastante fuertes e intenté prepararme, pero por suerte muchos reaccionaron positivamente. No es frecuente que un director de arte tenga la oportunidad de probar algo realmente nuevo. También contamos con un generoso presupuesto que me permitió concretar los diseños que tenía en mente. Formar parte de este proyecto fue un gran golpe de suerte, en todos los sentidos.

¿Cuál fue su primera reacción ante el guión?
El director Hwang ya me había explicado el esqueleto de la trama. Quería usar los juegos simples de vecindario de nuestra infancia para representar escenarios de supervivencia, y buscaba una apariencia totalmente nueva. También me dijo: “Haz lo que quieras”. Pero al recibir el guión me quedé perpleja. Tras valorar distintas ideas el reto me convenció: quería demostrar que podía hacerlo, que podía pensar en algo que nadie hubiera visto antes. Pensé: “Está bien, hagamos un cuento de hadas brutal con un telón de fondo que transporte a los adultos de mediana edad a su infancia”.

¿Qué reglas pactó con Hwang?
Básicamente, tres cosas. Primero, no presentar un mundo demasiado oscuro. En segundo lugar, usar una sensación distinta como telón de fondo de cada juego. Eso logró aumentar el miedo y la confusión entre los personajes, pues al entrar en cada espacio desconocían cómo sería el juego. Además, queríamos que la audiencia se preguntara qué tipo de juego llegaría a continuación, en qué tipo de espacio. Y por último, ser audaces con el color. Las películas coreanas tienden a ser algo conservadoras en el uso del color, respecto a las películas de Hollywood. Queríamos traspasar ese límite y ser realmente osados con nuestros colores. Aunque, en realidad, a medida que las películas coreanas abarcan nuevos géneros, como ciencia ficción, el espectro de colores usados ha comenzado a expandirse.

¿Cuáles fueron los criterios para los colores?
Inicialmente consideramos usar menta y rosa como colores principales: tonos retro, en realidad, tipo años 70 y 80. En respuesta, nuestro diseñador de vestuario, Cho Sang-kyung, dijo: “¡Vayamos a lo grande y usemos el rosa en los uniformes de los guardias!”. Luego aumentamos la saturación con los uniformes de gimnasia de los participantes y optamos por un verde intenso. En esta serie, el rosa representa la opresión y la violencia, mientras que el verde simboliza la persecución y a los perdedores. Entonces, hicimos que los concursantes se movieran entre estructuras rodeadas de techos y paredes de color rosa, y que los guardias regresaran a dormitorios pintados de verde. Usamos el color para establecer la cosmovisión y las reglas de la historia.

Concursantes de “Squid Game” en un laberinto de escaleras. La yuxtaposición de brutales juegos de supervivencia con imágenes infantiles y tonos pastel de telón de fondo, capta la paradójica naturaleza de la sociedad capitalista. Este set se inspiró en el trabajo del artista holandés Maurits C. Escher.
© Netflix

¿Qué hay del primer juego, “Luz roja, luz verde”?
Bueno, el concepto de ese juego se reduce a “verdad o mentira”. En ese espacio, el cielo azul y la pared tras la muñeca Young-hee son falsos, pero si no pasas, realmente mueres. Tomamos algunas pistas de las pinturas de René Magritte e intentamos crear un espacio confuso, tanto para los concursantes del juego, como para los espectadores en casa. Mientras, la idea de los altos mandos viendo el desarrollo de todo es influencia de la comedia de 1998, “El Show de Truman”.

¿Cómo hicieron la muñeca gigante?
La muñeca fue creada por el equipo de efectos especiales “Gepetto”. Tiene 10 metros de alto, y hubo que transportarla en dos mitades: superior e inferior. Originalmente, Hwang quería que el equipo de arte hiciera 10 muñecas Young-hee diferentes, pero no había presupuesto para eso. Además, en el guión la muñeca salía del subsuelo, pero eso cambió durante el rodaje.

Escenario del concurso “Luz roja, luz verde”, inspirado en el pintor surrealista belga René Magritte, combina realidad y fantasía para crear confusión. La muñeca Young-hee de 10 metros, favorita del público, fue creada por “Gepetto”, un equipo de efectos especiales.
© Netflix

Verde y rosa, los colores de los episodios de “Squid Game”, simbolizan persecución/perdedores y opresión/violencia, respectivamente.
© Netflix

¿Fueron complicados los callejones del juego de canicas?
Sí, esa red de callejones fue uno de los escenarios más difíciles. Era otro espacio donde lo falso y lo real coexistían. El director quería una puesta de sol y un espacio donde “se pudiera oler” cómo cocinaban la cena. Nos contó que cuando su madre le llamaba por la noche podía oler la cena mientras se acercaba a su casa. Salvo la casa del abuelo Oh Il-Nam, el resto fue diseñado como una serie de puertas de entrada. Queríamos muchas puertas, pero al intentar entrar, te rechazaban, tipo: “Esta no es tu casa, no eres bienvenido aquí”. Hicimos que las puertas delanteras parecieran reales, con elementos de utillaje como placas de puertas, briquetas de carbón y plantas, y también creamos un patrón con ellos: briquetas de carbón para los perdedores y macetas con plantas para los ganadores.

¿Cómo logra impacto emocional, en este proyecto y en anteriores?
Mi enfoque es distinto para cada proyecto. Como nivel más básico, el trabajo de un director de arte es tomar la historia y los personajes que el director quiere presentar y enriquecerlos. El arte no puede destacar demasiado, ha de ser natural. Por eso siempre trato de comprender mejor el guión, intento profundizar aún más que los propios directores.

¿Qué hay de“The Fortress”, basada en hechos históricos reales?
Queríamos que fuera la película de época más minuciosamente investigada y precisa sobre la historia de Corea hasta la fecha, así que usamos todo lo que teníamos. La nieve, el frío y la propia fortaleza aislada, rodeada de enemigos por todas partes: trabajamos duro para darle vida.

Antes rodó “The Royal Tailor”. ¿Le influenció para “The Fortress”?
El plató principal de la película era el espacio donde confeccionaban la ropa para la corte real, y pasé mucho tiempo pensando en cómo representarlo visualmente y en cómo usar ese espacio para mostrar mejor a los personajes. Lamentablemente, no fue muy bien en taquilla.

“The Fortress” describe 47 días en la Fortaleza del monte Namhan cuando el rey y sus vasallos buscaban refugio ante la invasión de la dinastía Qing en 1636. Tras una extensa investigación histórica, la directora de arte Chae Kyoung-sun consiguió reflejar la nieve, el frío y las dificultades del asedio invernal.
© CJ ENM

¿Y sobre “Silenced”, ambientada en una escuela para sordos donde pasan cosas oscuras?
Esa película tenía un presupuesto reducido y eso limitaba todo. Los únicos escenarios nuevos, creados de cero, fueron la oficina del director y la sala del tribunal. La niebla era realmente importante, por lo que elegimos tonos grises en todos los espacios principales, y hasta en utillaje y pasillos. A medida que se desarrollaba la historia, era importante suprimir el color en vez de realzarlo. La única excepción fue el centro de derechos humanos, donde la protagonista, interpretada por la actriz Jung Yu-mi, tenía su oficina. Ahí usamos colores más cálidos, como tonos oliva. En este proyecto intenté recuperar mi propio instinto para superarme como directora de arte, y mantenerme lo más fiel posible a la esencia de la historia.

El escenario de “EXIT” era claramente coreano.
Al principio pensé en un clásico de desastres estilo Hollywood. Pero a medida que hablaba con el director, Lee Sang-geun, comprendí que hallar la forma de expresar claramente un “espacio coreano” era realmente crucial. Visité innumerables azoteas en todo el país, investigando sus características. Había una escena, en particular, donde ambos protagonistas corren lo más rápido que pueden para dar un gran salto sobre el paso elevado de peatones. Los edificios que se ven a ambos lados son clave. Estoy muy contenta del resultado, aunque en realidad solo sale un segundo en pantalla. Es un caso en que el director realmente escuchó al departamento de arte y el departamento de arte, a su vez, utilizó muchas de las ideas del director. Fue una película muy colaborativa, y muy divertida para trabajar.

En esta escena, el Ministro de Ritos Kim Sang-heon (interpretado por Kim Yun-seok) cruza un río helado de camino a la fortaleza.
© CJ ENM

Los personajes principales de “The Fortress” son ideológicamente opuestos, contraste que reflejan sus disfraces. El ministro de Personal, Choi Myung-gil (interpretado por Lee Byung-hun), aboga por rendirse para proteger el reino y su gente, mientras que Kim Sang-heon aboga por enfrentar a los invasores.
© CJ ENM

¿Cómo va su proyecto actual, “Moving”?
Es una serie original de Disney Plus del director Park In-jae. Me temo que no puedo revelar nada al respecto antes del lanzamiento, pero es la primera adaptación en vivo de la popular serie webtoon homónima de Kang Full. Ha sido un nuevo y emocionante desafío para mí, pues la historia abarca más de 30 años, desde la década de 1980 hasta 2018.

Lee Gong-jin, nacido fashionista (interpretada por Go Soo), observa la costura de Cho Dol-seok (interpretada por Han Seok-kyu), sastre de la corte real durante 30 años. “The Royal Tailor” (2014) del director Lee Won-suk, está ambientada en la dinastía Joseon y muestra hermosos trajes e interiores.
© WOWPLANET KOREA